View Full Version : Дизайнеры крупным планом
Джорджио Армани
http://images.km.ru/style/2006/09/armani250.jpg
Ричард Гир привычным жестом достает из гардероба бесчисленные рубашки и галстуки. Играючи раскладывает их на широкой кровати и безошибочно подбирает идеальную пару к костюму. Этот кадр из фильма «Американский жиголо» уже много лет вызывает чувство зависти у мужской половины мира. Нет, мужчины завидуют не привлекательности Гира образца 1980 года, а его великолепной одежде. Этот интимный парад из галстуков, рубашек, пиджаков и брюк превращен в эпизод осязательного возбуждения. Как написал кто-то из критиков, вещи здесь «играют» как самостоятельные актеры. Этот киногардероб создал итальянский дизайнер Джорджио Армани. И свел мир с ума.
Дельцы всех наций и народов как безумные стали менять свою повсеместную скучную униформу-тройку на костюм от Армани. Расслабленный, неформальный и чертовски сексуальный. В начале 80-х его хотели все. Даже женщины. Ревнующие своих подруг в микроюбках и бесконечных декольте, молитесь на Армани, научившего женщин быть шикарными в брючном костюме! С тех пор потенциал дизайнера только вырос и мир по-прежнему жаждет все, на чем стоит лейбл Giorgio Armani.
Появление на свет в 1934 году в глухой деревне Пьяченца на севере Италии будущего успеха не предвещало. Застенчивый Джорджио мечтал стать сельским доктором. Но после двух лет обучения медицине в Болонье так и не привык к виду крови. Случайно попал на работу оформителя витрин большого универмага в Милане, потом там же стал закупщиком индийского и японского товара. А в 1964-м, опять же благодаря случаю, стал ассистентом тогда уже известного Нино Черрути. И шесть лет служил дизайнером его мужской линии Hitman. Это был личный Jack Pot Армани в моде. Плюс чувство стиля в наследство от матери, наизусть заученные кумиры – создатели костюмов американских фильмов 30-х и мадемуазель Шанель, упорство и безошибочное чутье предпринимателя.
В 1974 году 40-летний дизайнер инвестировал этот жизненный багаж в дело: вместе с другом Серджио Галеотти основал марку Giorgio Armani – готовую одежду для мужчин. Так на деньги от сбытого друзьями «Фольксвагена» была создана Империя, которая сегодня делает 850 миллиардов в год. А более двух тысяч ее магазинов продают под вариациями на тему имени Giorgio Armani белье и ботинки, солнечные очки и спортивную экипировку, парфюм и сумки, джинсы и предметы интерьера по всему миру.
Одним из самых продаваемых дизайнеров Армани сделали три золотых правила: никаких излишеств, максимум удобства и элегантность в простоте. Но не все так просто в феномене Армани. Приближенные серьезно утверждают, что во время работы его руки становятся волшебными. Мануальная природа дизайна? Маэстро не отрицает. Добавляет, что, когда дотрагивается до тканей, в его руках концентрируется энергия. Лучшие ткани он выискивает вообще маниакально. И, как законченный маньяк, моделирует их вокруг тела и называет это занятие «одним из самых чувственных на земле».
В 1982 году фото Армани с заголовком «Великолепный стиль Джорджио» появилось на обложке журнала Time. До этого такой чести удостаивался только Кристиан Диор. Так Армани занял свое место в истории. И в Америке. После «Жиголо» в 1987 году были виденные всеми «Неприкасаемые» с Шоном Коннери, Кевином Костнером и Энди Гарсия. Потом «Выкуп» с Мелом Гибсоном, «Нирвана» с Кристофером Ламбертом, «Гаттака» с Итаном Хоуком, недавние «Шафт» с Сэмуэлем Джексоном и «Чужой билет» с Беном Аффлеком.
Нападкам критики не подвергалось только одно – костюмы Армани. Весь высший эшелон Голливуда: вышеперечисленные, а с ними Мартин Скорцезе, Роберт Де Ниро, Том Хэнке, Ник Нолт предпочитают одежду от Armani и вне экрана. 90 процентов смокингов на «Оскаре» – от Армани. Женские вечерние платья в процентах уступают, зато они на самых знаменитых телах – Софи Лорен, Фэй Данауэй, Моники Белуччи, Мишель Пфайффер, Умы Турман, Гвинет Пэлтроу и Лив Тайлер. Карьера последней, кстати, пошла вверх, когда упавшая бретелька платья от Армани удачно оголила ее девичью грудь в «Ускользающей красоте» Бертолуччи.
Армани всегда открещивался от звания чистой воды художника, настаивая, что его мода – не музейный экспонат. И к 25-летию марки за заслуги получил сразу две выставки в Музее Соломона Гуггенхайма в Нью-Йорке. Одна – 300 предметов одежды – этапы его революционного пути. Вторая – работы 25 лучших фотографов, от Питера Линденберга до Паоло Роверси. Что бы ни заявлял Армани раньше, от подобной чести не отказываются. Это даже не обложка Time. Музей Гуггенхайма – это уже пропуск в вечность. Сегодня 67-летний «император» – подтянутый загорелый мужчина с ярко-голубыми глазами и почти белыми волосами. Обитает и творит Армани в палаццо XVII века в Милане. И хранит там личный «иконостас»: около сорока всяческих международных наград и медалей за лучший дизайн, среди которых есть даже высшая государственная награда в Италии – орден Республики. Армани как-то сказал, что хотел бы иметь тело леопарда и сердце собаки. Зачем – объяснить не потрудился. Может, намекал, что свободная пластика леопарда перед прыжком в костюме Армани гарантирована. Или что обладатель будет предан ему, как верный пес хозяину. Те, кто никогда не покупал Armani в Милане или Нью-Йорке, могут испытать эти чувства в Москве, где в Третьяковском проезде открылся первый в России бутик Giorgio Armani.
Карл Лагерфельд
http://www.dni.ru/upimg/h_95582.jpg
Из здания, в котором проходил показ одной из коллекций Дома Chanel, вышла целая процессия, возглавляемая седовласым господином в отменном черном костюме, больших темных очках и с веером в руке. За ним следовали могучего телосложения охранники и еще какая-то менее рослая свита – все в темных костюмах и белых сорочках. Они шли достаточно быстро, но не суетливо, оставляя в воздухе некую мистическую субстанцию – едва уловимый шлейф холода и отчужденности. Ну, конечно, это же так очевидно: определенно он мистификатор – этот седовласый господин. Кто-нибудь из вас видел его глаза? Кому-нибудь он говорил о сокровенном? Кого-нибудь впускал в свой «храм творчества»: именно свой, а не тот, где он подражает стилю Великой Мадам, называя это «воскрешением ее духа»? В этом человеке вопросов больше, чем ответов.
Карл Лагерфельд родился в Гамбурге 10 сентября 1938 года в достаточно зажиточной, благополучной семье немецкого банковского служащего. Деловая хватка и предприимчивость отца, заработавшего когда-то целое состояние на поставках консервированного молока в Европу, позволила мальчику получить отличное образование. Карл в совершенстве овладел тремя иностранными языками – английским, итальянским и французским. Перечитал почти всю родительскую библиотеку. Но одним классическим воспитанием не обошлось: как вспоминает сам Лагерфельд, огромную роль в становлении его «я» сыграла мать – чистокровная аристократка, прекрасно разбирающаяся в парфюмерии и моде. И поскольку фрау Лагерфельд буквально боготворила своего сына, она стремилась привить ему изящный вкус и манеры. Можно сказать, что будущую профессию Карлу тоже выбрала она. Однажды, пресытившись его игрой на пианино, мама с шумом захлопнула крышку инструмента и сказала: «Тебе следует заняться рисунком – это, во всяком случае, не производит столько шума».
В четырнадцать лет, осознав, что для дальнейшего роста ему нужна новая, более раскованная атмосфера, чем в отчем доме, Карл с родительского благословения отправляется в Париж и... оказывается в плену у этого свободного и раскрепощенного города – родины высокой моды и изысканных парфюмов. Здесь Карл со рвением прилежного школяра продолжил свою учебу. Но однажды, оторвав взгляд от скучных учебников и конспектов, вдруг решил сотворить «что-то».
Когда это «что-то» попало на конкурс модных эскизов, в жюри которого восседали Кристиан Диор, Пьер Бальман и Юбер Живанши, Карлу Лагерфельду исполнилось 16 лет. Так закончилась правильная, размеренная жизнь немецкого студента и началась новая – богемная, сумасшедшая, но самое главное – взрослая...
Вскоре после удачного дебюта на престижном конкурсе эскизов Карла приглашает к себе на работу сам Пьер Бальман. Три года он трудится в его студии, разрабатывая эскизы, совершенствуя свое мастерство и параллельно изучая, как работают маленькие винтики, составляющие огромный механизм моды.
В 1958 году Лагерфельда приглашают в Дом Жана Пату, где он задерживается на пять лет, создавая по две коллекции haute couture в год.
А в 1963 делает рискованный «трюк», который до сих пор так никто и не решился повторить, – начинает работать сразу с четырьмя домами моды – Chloe, Krizia, Charles Laurdan и Fendi, создавая для каждого абсолютно разные коллекции.
Здесь, пожалуй, наиболее ярко «прорисовался» великий талант Карла Лагерфельда: он отлично «подделывал почерки» прославленных домов, нисколько не «ломая» старые наработки отцов-создателей, при этом добавляя в их стили свои изюминки.
Последним и самым важным в карьере Лагерфельда стал контракт с Домом Chanel. После смерти легендарной Коко в 1971 году кресло главного стилиста Дома сиротливо пустовало в надежде «пригреть» духовного и идейного наследника Великой Мадам. Но, как на грех, несколько дизайнеров, поочередно пытавшихся взять Дом в свои руки, оказались талантливыми индивидуалистами. Владельцам же марки Дома Chanel нужен был человек, который бы сохранил уникальность и неповторимость стиля, да, пожалуй, и дух самой Габриэль Шанель. Карл Лагерфельд гениально воссоздал дух Шанель, внеся при этом в коллекции изюминку современности. Этот «коктейль» публика с восторгом проглотила.
В 1983 году Лагерфельду поручают линию высокой моды, а в 1984 – все направления готовой одежды. Нечеловеческая работоспособность Карла Лагерфельда была вознаграждена. Его триумф был заслуженным.
Каждый год он создает в среднем 2500 эскизов, то есть более семи моделей ежедневно. Его рабочий день длится 20 часов.
Чем он занят все это время? Рисует, «сочиняет» духи, фотографирует свои идеи, воплощенные в тканях, читает. Да-да, у него три страсти, о которых он разрешает «знать» публике.
Духи – это его первая страсть, «основной инстинкт». «Для меня нет большего удовольствия, чем собирать аромат – нотка к нотке, создавая те или иные сочетания и обдумывая, как определенный акцент может отобразиться на человеческих чувствах. Я не могу отделить создание аромата от разработки коллекции: и то и другое – части единого целого».
В его «личном архиве» – аромат для Chloe под именем Parfumes Lagerfeld, napфюм Photo, мужские духи JAKO и KL – одна из самых удачных его работ.
Страсть вторая – фотография. Как-то Лагерфельд сказал, что видит мир, будто сквозь линзу фотоаппарата, а фото для него – это способ отражения реальности. Все фоторекламы своих новых коллекций создает он сам – никому не доверяет этот интимный процесс.
Книги – это третий Бог Лагерфельда. В какой бы стране мира он не оказался, всегда привозит оттуда какой-нибудь фолиант любимого автора, среди которых Бальзак и Достоевский, или книгу об искусстве. Так что коллекции Лагерфельда позавидовали бы даже некоторые библиотеки. Кстати, в 2000 году часть коллекции книг о французском искусстве XVIII века он продал на аукционе Christei's.
За что бы ни взялся этот гений моды, во всем он достигает успеха. «Причина моего успеха – умение всегда идти вперед, опережая время. Творчество, работа и личная жизнь для меня – единое целое. Каждое мое достижение – произведение моих рук, и поэтому я счастлив», – так считает он сам. Интересно, это тоже талантливая мистификация счастья? Ну уж нет – похоже, так и есть на самом деле. Просто люди иногда рождаются под счастливой звездой.
Клиентки Дома Chanel – женщины состоятельные. Но и среди них есть своего рода элита. Например, миллионерша Муна Аюб закупает понравившуюся ей коллекцию всю без остатка.
Эти вещи она хранит в специально купленном для этой затеи доме. Но, похоже, только хранит. Самое смешное, что на показах мод Муна появляется в более чем скромной одежде – темных брюках и свитере. Интересно, куда же она надевает наряды от Chanel?
Жаклин Кеннеди когда-то училась в Сорбонне. Так что возвращение ее в Париж в качестве первой леди Америки было в чем-то символическим. Первым делом после визита к тогдашнему президенту Шарлю де Голлю, Жаклин отправилась к Коко Шанель – знакомиться. С тех пор Жаклин стала своеобразной рекламой фирмы Chanel. Даже в тот роковой для Кеннеди день в Далласе Жаклин была одета в розовый костюм от Chanel с оборками синего шелка и розовую шляпку.
Примечания
Уже в двенадцать лет он твердо знал, что будет делать в этой жизни. И добился почти всего, о чем мечтал. Не курит и не пьет: такому правильному человеку в парижской богеме, наверное, приходится нелегко. У него ослепительной белизны волосы. Как достигается такой эффект? Утром волосы выглядят точной копией прически Бетховена. Зачесав их назад, посыпает волосы пудрой, заливает лаком. Еще один слой пудры – и снова лак. Ну, в общем, приблизительно так, как делали в XVIII веке, но с более современными составляющими. На публике всегда появляется в темных очках, ибо глаза выдают усталость. Возможно, для кого-то в очках и с веером он выглядит карикатурно, но это его не смущает. К психотерапевтам никогда не обращался, может быть, потому что когда-то прочитал письмо, в котором один из пациентов Фрейда писал своему другу: «Никогда не пользуйся сеансами психотерапии. Это убивает творческую деятельность». Считает, что мысли только лишь о приятных вещах – лучшая терапия. Ни о чем никогда не жалеет. И в случае успеха, и в случае провала. Создает восхитительные коллекции, но слава, власть мало интересуют. Воспоминания о днях ушедшей юности наводят скуку. Он живет настоящим и находит его великолепным.
Юдашкин Валентин Абрамович
http://www.perfectlady.ru/images/article/9297-0.jpg
Родился 14 октября 1963 г. в поселке Баковка Одинцовского района Московской области. Мать - Юдашкина Раиса Петровна (род. 1945 г.). Супруга - Юдашкина Марина Владимировна (род.1958 г.). Дочь - Галина (род.1990 г.).
Страсть к моделированию одежды у Валентина Юдашкина проявилась еще в школе. Днями и ночами будущий кутюрье рисовал свои первые "модели" и сам же воплощал их в жизнь. Делал выкройки, шил из всего, что попадалось под руку - для себя и для друзей. После сдачи выпускных экзаменов для Валентина не стояло вопроса, куда пойти учиться. Новость о его решении огорчила родителей, считавших, что профессия модельера - "не для мужчин". Но давить на сына они не стали, и в 1981 году Валентин поступил в Московский индустриальный техникум на факультет моделирования. Юдашкина не остановило и то, что на его курсе "Дизайн моды" были одни девчонки... Через год пришлось на время оставить любимое занятие: Валентин ушел служить в армию. Будущий модельер и там не терял время, обдумывал новые идеи и планы, воплощением которых занялся сразу по возвращении в техникум... Преддипломную практику Валентин проходил в Московском Доме моды. В 1986 году с блеском защитил дипломные работы по темам "Исторический костюм" и "Макияж и декоративная косметика" и получил "красный" диплом.
По распределению Валентина направили в Центральное проектно-конструкторское бюро при Министерстве бытового обслуживания РСФСР на должность старшего художника. В те времена не существовало отдельного разделения на стилистов, визажистов, модельеров. Валентину приходилось быть и тем и другим. Работал сутками, - моделировал, занимался декоративной косметикой. Так получилось, что уже с первых шагов в профессии Юдашкин представлял российскую индустрию моды за рубежом: создавал эскизы к костюмам членам сборной СССР по косметике и парикмахерскому искусству, участвовавшей в международных соревнованиях. Появилась и первая в жизни Валентина Юдашкина коллекция одежды - костюмы для участников российской сборной, выступавшей на конкурсе причесок и макияжа в Познани (Польша). Затем - следующая, к чемпионату Европы в Будапеште, - полная коллекция костюмов для сборной команды ЦКПБ. К тому же к выступлению команду готовил сам Валентин, ставший к тому времени ее старшим тренером. Параллельно Юдашкин работал над моделями "для себя". В 1986 году на фотовыставке, проходившей в АПН в Москве, с успехом были продемонстрированы 20 моделей из льна коллекции модельера.
К концу 1980-х наступило время "перестройки", появились первые предприниматели. У Юдашкина накопилось много "нереализованных" идей. Хотелось самостоятельной работы. В 1987 году дизайнер работает в кооперативе-ателье в Москве. Первый же показ первой собственной коллекции из 150 моделей, который прошел в Концертном зале гостиницы "Орленок" в Москве, сделал имя Валентина Юдашкина известным стране. Главная часть той коллекции - платье - стало с тех пор самостоятельным объектом творчества Валентина и начало свою собственную жизнь в пространстве мировой моды.
В 1988 году при Союзтеатре СССР 25-летний модельер открыл фирму "Vali-Мода". В том же году в Колонном зале Дома Союзов были продемонстрированы новые коллекции Юдашкина "Русь изначальная", а позже - "Петровский бал". На молодого модельера обратили внимание французские кутюрье, пригласили в Париж. Оказавшись во Франции, Юдашкин был потрясен увиденным там изобилием тканей всевозможных расцветок, видов и форм. В СССР, "стране вечных дефицитов", понятия моды, как такового, не было, что уж говорить о "высокой моде". На трикотажных фабриках производили если только варежки, а тут - к каждой шляпке свои перчатки! В ту поездку Валентин сделал для себя много профессиональных "открытий". Но самое главное, молодой кутюрье возвратился домой с твердым желанием доказать всему миру, что и в России может быть индустрия моды, и на самом высоком уровне...
В этом плане 1991 год стал для Валентина поворотным моментом в его жизни. Модельер открыл фирму "Valentin Yudashkin", создал первую коллекцию класса Haute Couture - "Фаберже". В том году очередной показ Парижской Недели Высокой Моды, показ, куда ежегодно съезжаются все ценители прекрасного со всего света, проходили в здании Посольства России во Франции. В то время, несмотря на шедшую полным ходом "перестройку", такого рода мероприятие было достаточно смелым шагом. 600 человек приглашенных - такое случилось впервые. К тому же посольство на свой страх и риск организовало в рамках Недели показ "никому не известного модельера" Валентина Юдашкина... Наконец творчество российского дизайнера смог увидеть и оценить Париж. Коллекция Юдашкина "Фаберже" произвела огромное впечатление не только на искушенную французскую публику, но и на таких признанных в мире "законодателей моды", как Пьер Карден, Пако Рабанне. Особый фурор произвели платья, сшитые в виде знаменитых "яиц Фаберже". Первым пришел за кулисы поздравить российского коллегу Пьер Карден, ставший с того дня Валентину другом и учителем. Имя Валентина Юдашкина стало известным в мире. Показы коллекции с успехом прошли в Лос-Анджелесе, Италии, Израиле. Несколько моделей "Фаберже" приобрел Музей костюма Лувра и Калифорнийский музей моды.
Теперь премьерные показы каждой новой коллекции Юдашкина Haute Couture проходили ежегодно в рамках очередной Недели Высокой Моды в Париже, а с 1994 года, момента основания Московской Недели Высокой Моды, - и в Москве: в 1992 году - "Музыка" (дефиле в Париже); в 1993 году - "Натюрморт" (дефиле в Париже); в 1994 году - "Екатерина Великая" - осень/зима 94-95" (дефиле в Париже и Москве); в 1995 году - "Балет" - осень/зима 95-96" (дефиле в отеле "Мерис" в Париже, затем в Москве)... Демонстрации коллекций с успехом прошли и в других городах и странах. В частности, в 1993 году в рамках Фестиваля "In Vogue" в Вильнюсе, затем на Фестивале Моды в Китае прошли внеконкурсные показы коллекции "Натюрморт", в 1994 году - внеконкурсный показ "Фресок" на Ассамблее Неукрощенной Моды в Риге. На эти мероприятия Юдашкин был приглашен и в качестве члена жюри. Как член жюри Юдашкин был приглашен и на конкурс молодых модельеров имени Н. Ламановой.
Одновременно Валентин занимался "устройством" своего "дома" - Дома моды "Valentin Yudashkin", который он открыл в 1993 году в Москве. Наконец у дизайнера появился собственный демонстрационный зал, его давняя мечта. В Доме моды расположился и небольшой музей для хранения самых любимых творений модельера... Отладке механизма работы нового для страны производства приходилось учиться у самого себя, на собственных ошибках. Юдашкин сам ездил на фабрики заказывать ткани, освоил все "смежные" профессии, был и снабженцем, и финансистом. Врожденные организаторские способности Валентина не подвели.
Итогом его работы стала выпущенная Домом моды "Valentin Yudashkin" в 1994 году первая коллекция "pret-a-porte - весна/лето 1995". Показ коллекции прошел в демонстрационном зале Дома. В том же году в клубе "Manhattan Express" в Москве была представлена Коллекция нижнего дамского белья "от Юдашкина". Дом Моды приступил и к созданию эскизов коллекций именных изделий, таких как мебель, посуда, столовые приборы. В 1995 году в отеле "Мерис" в Париже в дни Недели Высокой Моды состоялась презентация первых духов Дома с одноименным названием "Valentin Yudashkin".
Мастерство модельера было по достоинству оценено авторитетными коллегами. В 1996 году Дом моды "Valentin Yudashkin" получил статус члена-корреспондента Парижского синдиката высокой моды. Впервые в истории моды в эту престижную организацию принят молодой кутюрье из России, встав, таким образом, в один ряд с дизайнерами мирового уровня, такими как Джанни Версаче, Валентино. В честь этого события Домом Юдашкина в государственном Концертном Зале "Россия" в Москве было организовано праздничное шоу, на котором была представлена подготовленная к этому случаю коллекция "pret-a-porter - "Город на песке" - осень/зима 1996-1997".
С этого времени Дом Юдашкина официально приглашается на показы каждой новой коллекции Haute Couture в Париж дважды в год: "весна/лето" и "осень/зима". Традицией стали и завершающие год показы "осенне-зимних" коллекций Дома на ежегодных Неделях Высокой Моды в Москве. Были созданы и представлены публике коллекции Haute Couture: "Райские птицы"- весна/лето-96" (Неделя Высокой моды в Париже, "Гранд Отель", 1996), "Рождественский сон" - осень/зима-96-97" (Недели Высокой Моды в Париже и Москве, 1996), "Врубель" - весна/лето-97" (Неделя Высокой Моды в Париже, Большой Зал "Карусель Де Лувр", в Москве - показ для друзей и клиентов в гостинице "Метрополь", 1997), "Немое кино" - осень/зима 97-98"(Неделя Высокой Моды в Париже - Большой Зал "Карусель Де Лувр", 1997), "Черно-белое кино" (Неделя Высокой Моды в Москве, 1997), "Русский модерн" - весна/лето- 98" (Неделя Высокой Моды в Париже, в Москве - на праздновании 10-летия Дома в ГКЦЗ "Россия", 1998), "Анна Каренина" - осень/зима-98-99" (Недели Высокой Моды в Париже и Москве, 1998), "Конец века" (Недели Высокой Моды в Париже и Москве, 1999), "Покажи мне любовь" - осень/зима-1999-2000" (Неделя Высокой Моды в Париже, 1999).
К 1997 году у Дома Моды Юдашкина появились дополнительные технологические возможности, накопилось так много идей, что возникла необходимость их воплощения в готовой одежде. В 1997 году в центре Москвы открыли торговый дом Валентина Юдашкина. К открытию подготовили особую коллекцию "Pret-a-porter - осень/зима 97-98". В коллекцию были включены мужская и женская линии, платки, галстуки, сумки, обувь. Новый виток в развитии дома начался с запуска в производство "джинсовой" линии. Презентация 250 моделей коллекции с успехом прошла в Москве в ГКЦЗ "Россия". Следующим важным шагом стало открытие в Москве бутика Валентина Юдашкина, в котором можно было купить готовую одежду, обувь, аксессуары самого высокого качества для мужчин и женщин.
С тех пор к каждому сезону Дом Юдашкина представляет новую коллекцию готовой одежды: в 1997 году - "pret-a-porter- весна/лето-98" (дефиле в Доме Моды "Валентин Юдашкин"); в 1998 году - "pret-a-porter- осень/зима-98-99" и "pret-a-porter- весна/лето-99"; в 1999 году - "pret-a-porter- осень/зима-2000-2001" (дефиле на Неделе Готовой Одежды в Милане, Италия); в 2000 году - "pret-a-porter- осень/зима 2000-2001" (дефиле на Неделе Готовой Одежды в Париже). В 2000 году открылся бутик Дома Юдашкина в Париже.
Рост Дома "Valentin Yudashkin", ставшая привлекательной марка дома на мировом рынке не могли остаться не замеченными. Французская Палата высокой моды и готовой одежды, членом которой являлся Валентин, стала оказывать на Дом Юдашкина давление. В частности, в качестве платы за помощь в организации показов коллекций Haute Couture в Париже Палата стала требовать от российского кутюрье открытия во Франции мастерской по изготовлению одежды Haute Couture. Для Валентина это означало, в лучшем случае, жизнь на две страны, а для Дома Юдашкина, - дополнительные расходы, если не превращение во "французский". Валентин предпочел остаться в России. По мнению кутюрье, Дом Юдашкина уже достаточно крепко стоял на ногах. В 2000 году российский модельер пошел на беспрецендентный в мире моды шаг: отказался от услуг Парижской Палаты и дважды провел показы Haute Couture в Париже вне графиков Палаты... Этот смелый шаг не только не уменьшил интереса к дизайнеру и его коллекциям, его примеру последовали и такие дизайнеры, как Мюглер. Валентин снова выиграл...
В октябре 2000 года Юдашкин отказался от участия в показах Парижской Недели pret-a-porter и провел показ своей новой коллекции"pret-a-porter-весна/лето 2001" в Москве в Государственном Историческом музее. В 2000-2001 годах прошли показы коллекций дизайнера Haute Couture: "Импрессионисты" (дефиле в рамках Недель Высокой Моды в Париже и Москве, 2000), "Византия" (дефиле в резиденции российского посла в честь 10-летия присутствия коллекций Юдашкина в столице Франции и дефиле коллекции дизайнера как гостя Недели Высокой Моды в Москве, 2000), "2000 и одна ночь" (дефиле в рамках Недели Высокой Моды в Москве, 2001), "Птицы" (дефиле в рамках Недели Высокой Моды в Москве, ноябрь 2001). Дизайнер представил и коллекции повседневной женской одежды. В рамках Недели Моды в Нью-Йорке прошел показ коллекции "pret-a-porter - осень/зима-2001-2002". В сентябре 2001 года в павильоне Брайант Парк, Студио Нью-Йорка на открытии Недели Моды "7th on Sixth" состоялась презентация новой коллекции "pret-a-porter - весна/лето-2002". Главным сюрпризом показа стала дебютная коллекция солнцезащитных очков Дома "Валентин Юдашкин". Дефиле было организовано усилиями интернациональной команды при участии американских парикмахеров, визажистов, моделей, декораторов. На следующий день после шоу телеканал "CNN" посвятил 20 минут эфирного времени творчеству Валентина Юдашкина, а на каналах "Metro Channel", "NY1" и "ABC" появились первые репортажи о состоявшемся дефиле.
В 2001 году Дом моды "Nijole" предложил Валентину Юдашкину выступить впервые в качестве приглашенного дизайнера Дома. Отличие этой работы от всего, что делал кутюрье прежде, делало этот творческий эксперимент особенно для него интересным. Впервые Юдашкину предстояло работать с необыкновенно "живым" материалом - мехом. Дизайнер принял предложение, и уже в октябре созданная Валентином Юдашкиным новая коллекция мехов "Nijole" была с успехом продемонстрирована в Московском "Яре", а позже - на Неделе Высокой Моды в Москве. Решение моделей коллекции в стиле "pret-a-porte de lux" с оттенком "Нaute Couture" расширило рамки привычного взгляда на меховую моду и прибавило к очарованию меховых фактур практичность в обращении и выверенный силуэт. Коллекция объединила новые образы - результат отражения смелых фантазий дизайнера в зеркале принципиально новых технологий обработки меха.
Со времени первого зарубежного показа в Посольстве России в Париже многое изменилось. За 10 лет своего существования под непосредственным руководством Валентина Юдашкина фирма "Valentin Yudashkin" превратилась из небольшой мастерской в настоящий Дом Моды со всеми необходимыми составляющими. За годы деятельности Домом было создано 18 коллекций Haute Couture и 10 коллекций pret-a-porte, показы которых ежегодно проводятся Домом Юдашкина не только в Париже и Москве, но и в других городах Европы, Азии, Америки, в том числе Италии, Китая. Сегодня Дом моды "Валентин Юдашкин" включен в жесткий ритм работы в мире готовой одежды. Он полностью "одевает" мужчин и женщин от 46-го до 56-го размера, производит всевозможные аксессуары и обувь. Одежда марки "Валентин Юдашкин" с успехов продается не только в Москве, но и в Милане, Париже, Нью-Йорке.
Знаменательным для мастера и Дома на пороге нового тысячелетия стал выпуск в 1999 году парфюма "Valentin Yudashkin" - совместного проекта с французской парфюмерной компанией "Parour". Духи уже заслужили признание россиянок, француженок, американок и японок. Начало нового тысячелетия Дом Моды отметил и освоением новых для себя пространств. В 1999 году была запущена новая линия ювелирных украшений, презентация которой прошла в гостинице "Метрополь" в Москве. В том же году в Москве был открыт салон ювелирных украшений "Valentin Yudashkin". С 2001 года Дом Моды начал производство столового фарфора и серебра. Презентация коллекции, которая проходила также в гостинице "Метрополь" в Москве, ознаменовала собой начало работы над новой линией Дома "Home". Так, к концу 2001 года Дом Юдашкина готовит к открытию линию "царского" столового фарфора.
Дом Юдашкина активно участвует и в общественно-важных событиях жизни страны. В стенах Дома были разработаны эскизы и сшиты костюмы для российских сборных команд: в 1993 году - участников зимних Олимпийских игр в Норвегии; в 1995 году - летних Олимпийских игр в США; в 1998 году - летних Юношеских игр в Москве. Представляют нашу страну в форменной одежде "от Юдашкина" и представители "Аэрофлота" за рубежом: с 1993 года - французское представительство авиакомпании, с 1997 года - все остальные. С 1997 года Дом Юдашкина "одевает" и работников гостиницы "Украина" в Москве.
Перечислить всех звезд эстрады, театра, балета, кино, с которыми приходится работать Валентину просто невозможно. Среди них - Людмила Гурченко, Алла Пугачева, Филипп Киркоров, Кристина Орбакайте, Надежда Бабкина... Шьют костюмы "от Юдашкина" и многие российские политики.
С каждым годом Дом Моды Юдашкина продолжает расти и развиваться. Работа над каждой коллекцией или проектом начинается за два-три года вперед. В 2002 году уже ведется работа над коллекциями 2003 и 2004 года. Каждый сезон Дом предлагает что-нибудь новое в мире моды. Визитной карточкой дизайнера и Дома Юдашкина стал "русский" способ вышивки бисером, поэтками и стразами, традиции которого были возрождены и теперь развиваются в Доме. Модели Haute Couture, как и большинство материалов, из которых они сделаны, вышивка, аппликации, мохер, выполнены Юдашкиным вручную. Темы, которым кутюрье посвящает свои работы, - русские искусство, литература, живопись, архитектура, балет. Каждая его коллекция несет в себе сюжеты национальной русской истории и культуры, образы выдающихся личностей России. Запад признал существование индустрии моды в России, неизменно связывая с ней имя Валентина Юдашкина.
Сегодня показы Валентина Юдашкина вызывают огромный интерес и собирают клиентов и прессу со всего мира. По несколько раз в день по телевизионным "фэшн"-каналам Франции, США и других стран транслируются показы коллекций российского модельера. О Юдашкине много и часто пишут крупные западные издания. Платья Валентина Юдашкина хранятся в различных музеях мира: музее Костюма Лувра во Франции, музее Моды в Калифорнии (США), Международном музее Олимпийских игр в Лозанне, Государственном историческом музее в Москве. Платья Юдашкина - частые участники различных выставок и экспозиций. В начале 2001 года несколько коллекционных моделей были представлены в Московском музее современного искусства Зураба Церетели в Москве. В марте 2001 года в музее Дома Моды "Valentin Yudashkin" рядом с постоянной экспозицией лучших платьев кутюрье прошла выставка фарфора и серебра "от Юдашкина".
Валентин Юдашкин - лауреат Национальной российской премии "Овация", премии "Образ года", премии "Золотой Манекен" Недели Высокой Моды в Москве - за лучшие коллекции Haute Couture (1997 г.). За пропаганду российской моды в мире удостоен звания "Мастера" и награды "Шапочка Мастера" на фестивале "Мастер-класс" в Санкт-Петербурге. В ноябре 2001 года Валентин Юдашкин был удостоен премии "Бизнес Олимп" в номинации "Искусство и бизнес".
Валентин Юдашкин - "Заслуженный деятель искусств Российской Федерации", действительный член Академии социальных наук, почетный академик Российской академии художеств, член-корреспондент самой престижной организации в мире моды - Парижского синдиката высокой моды и готовой одежды, член Французской палаты моды. С ноября 2001 года Валентин Юдашкин является членом Совета по культуре и искусству, возглавляемого Президентом Российской Федерации Владимиром Владимировичем Путиным.
Дом Моды Валентина Юдашкина - член Российской ассоциации высокой моды (1994), член Парижского синдиката моды (1996).
Валентин Юдашкин не боится меняться, любит экспериментировать. Всегда стремится быть в форме. Его жизненное кредо - дарить людям радость и надежду. Надеется, что в России когда-нибудь возродиться легкая и текстильная промышленность: тогда можно будет производить материалы для своего Дома на Родине. Вместе с тем считает, что пора появиться и тем, кто пойдет вслед за ним. Очень хочет, чтобы им было уже намного легче.
Самый интересный в создании коллекции момент, по мнению Валентина, - начальный. Поэтому, как только он заканчивает работу над одной коллекцией, сразу приступает к следующей. Рисует обычно дома, без перерывов, от рассвета до заката. Очень любит свою семью, но на первом месте - работа. Огорчает лишь то, что на общение с дочкой остается мало времени. Обязательно к каждому Новому году шьет ей новое платье. Мечтает и сам как-нибудь надеть свой "особый костюм". На каждый показ возит его с собой, чтобы надеть на финальный выход на подиум. Пока, правда, еще ни разу не удавалось. За кулисами - настолько занят, что на сцену приходится выскакивать как есть.
Несмотря на то, что как-то получил награду "Светский лев", светских вечеров Валентин не любит, появляется только у друзей в самые важные моменты их жизни. Отдыхать предпочитает в "цивилизованных" местах, где присутствует атмосфера уюта и спокойствия и хорошая кухня. В этом смысле Валентина потрясла Америка. Хотя жить и творить любит именно в России, где есть друзья, семья, особые отношения, особый склад души.
Эли Сааб
http://b.foto.radikal.ru/0602/c64c307570d2.jpg
Устраивать дефиле на парижских подиумах во время Недели высокой моды – достойная цель для любого иностранного дизайнера. Быть в Париже «своим», встав в один ряд с такими мэтрами, как Готье или Лакруа, - статус лишь избранных. Ливанский дизайнер Эли Сааб (Elie Saab) - один из тех, кто заставил европейцев признать, что иностранец вполне может справиться с ролью апологета истинного парижского шика.
Эли Сааб родился в Бейруте 4 июля 1964 года. Впервые интерес к будущей профессии он продемонстрировал необыкновенно рано: в возрасте шести лет, когда другие дети играли в песочнице, Эли выбирал место поспокойнее и начинал мастерить одежду. Родители не могли не обратить внимания на занятие сына, и уже тогда в семье начали поговаривать, что Эли обязательно станет портным.
Поэтому в 1981 году Эли Сааб уезжает в Париж с твердым намерением заняться профессиональным изучением моды. Однако будущий модельер тут же понимает, что учеба в колледже, практика и первые заказы – слишком длинный для него путь. Ему не терпелось миновать все эти этапы и просто начать шить. Поэтому на следующий год Эли возвращается в Ливан и открывает свое первое ателье. Осторожничать с предлагаемым стилем полный амбиций и творческих планов Сааб также не намеревался: он начинает шить роскошные вечерние платья и свадебные наряды, искусно комбинируя восточные и западные мотивы.
Смелость и риск начинающего дизайнера оказались безошибочно верными: уже тогда, в начале восьмидесятых, он завоевал популярность и множество богатых клиенток, среди которых были даже монаршие особы. А секрет успеха оказался прост: Эли Сааб не скупился на эксклюзивные ткани, коллекционное кружево, ручную вышивку, жемчуг, кристаллы и другой роскошный декор. В 1986 году среди почитательниц его творчества оказались самые известные модницы страны. А к началу 90-х Сааб значительно расширяет свое ателье, начиная регулярно принимать заказы из Парижа и Швейцарии.
В 1997 году Эли Сааб становится первым неитальянским дизайнером, который был принят в Национальную Палату Моды, и, таким образом, в этом же году он с триумфом представляет свою первую коллекцию в Риме, то есть за пределами Ливана.
В 1998 году Сааб запускает коллекцию pr
Валентино Гаравани
http://www.osinka.ru/Moda/Designer/Img/Valentino/01.jpg
Что объединяет самых красивых и знаменитых женщин прошлого столетия и современности, например Жаклин Кеннеди Онассис (Jacqueline Kennedy Onnasis), Джоан Коллинз (Joan Collins), Элизабет Тейлор (Elizabeth Taylor), Грейс Келли (Grace Kelly), Одри Хэпберн (Audrey Hepburn), Софию Лорен (Sophia Loren), Дженнифер Лопез (Jennifer Lopez), Клаудию Шиффер (Claudia Schiffer) и Мадонну (Madonna)? Их имена давно превратились в легенды, они являются признанными во всем мире иконами моды, эталонами красоты и элегантности, они стали олицетворением своей эпохи. Но это еще не все. На самые торжественные и запоминающиеся случаи в их жизни этих женщин всегда одевал гуру итальянской моды Валентино.
Валентино Гаравани (Valentino Garavani) родился в 1932 году в Италии, на севере Милана. Отец мальчика был владельцем небольшого магазина электронного оборудования, однако сам Валентино мечтал об иной карьере. С самого детства он с огромным интересом изучал искусство и дизайн, поэтому когда пришло время выбирать профессию, сомнений о будущем выборе Валентино уже ни у кого не возникало.
После пятнадцати лет Валентино начинает активно изучать французский язык, спустя два года едет учиться в Рим, откуда тут же переезжает в Париж. В столице моды Валентино выбирает самые престижные в то время учебные заведения – Школу Изящных Искусств (Ecole des Beaux Arts) и Профсоюзную Палату Высокой Моды Парижа (Chambre Syndicale de la Couture Parisienne). Постепенно молодой дизайнер находит собственных клиентов, облекая их самые смелые идеи в весьма удачные формы. Таким образом Валентино смог завоевать себе репутацию, и его пригласили на работу в Дом моды Guy Laroche.
В 1959 году Валентино возвращается в Рим и открывает там собственное небольшое ателье. Год спустя он уже становится известной персоной среди знаменитостей, которые приезжают в Вечный Город для того, чтобы посмотреть легендарную картину «Сладкая жизнь», ставшую символом той эпохи. Уже тогда модельера начинают называть Золотым Мальчиком итальянской моды.
И в 1962 году он представляет во Флорентийском дворце Pitti ту коллекцию, которая принесла ему международную известность: на дефиле съезжаются сотни байеров и журналистов из зарубежных изданий. Эта коллекция стала известной как «бесцветная», хотя на самом деле Валентино, наоборот, открыл публике новые грани привычных пастельных оттенков – белый, кремовый, беж, сливки, мел, песок... В тот период психоделическая цветовая гамма становилась все менее актуальной, и Гаравани продемонстрировал зрителям силу более спокойных тонов. Коллекция Валентино, удостоенная престижной премии Nieman Marcus, породила целую тенденцию в стиле: модницы несколько сезонов подряд одевались только в одежду бело-бежевой гаммы.
В 1968 году на смену белому минимализму приходит богатый декор: кружево, перья, цепочки, цветы и инкрустации камнями. Разумеется, публика с удовольствием подхватывает новое веяние от талантливого итальянца.
Одной из почетных клиенток Валентино была Жаклин Кеннеди (Jacqueline Kennedy): именно он сшил для Джекки знаменитое свадебное мини-платье из белого кружева, в котором она выходила замуж за Аристотеля Онассиса (Aristotle Onassis).
В 1969 году Гаравани открывает первый магазин pr
Жерар Энон
Жерар Энон (Gerard Henon) – французский дизайнер, который создает удивительные, красивые и функциональные аксессуары для мужчин. Портфели, планшеты, сумки, папки, барсетки и кошельки – всё то, без чего не может прожить ни прожженный бизнесмен, ни наивный подросток.
FashionTime: Здравствуйте, месье Жерар! Вот первый вопрос, который сразу хочется задать. Вы создаете аксессуары только для мужчин?
Gerard Henon: Да, конечно. В какой-то момент я уже не знаю, для мужчин или для женщин. Одним словом - унисекс. Вот, например, в Лас-Вегасе есть туалеты для мужчин, для женщин и «для других». Так что, сами делайте выводы.
FashionTime: Расскажите поподробнее, что есть Ваши сумки? Из чего они сделаны, и какие новшества Вы привнесли в свои модели?
Gerard Henon: Для меня сумка – это не просто имиджевая вещь. Это, прежде всего, функциональный прибор, который каждый из нас использует по-своему. Конечно, есть сумки совершенно не рабочие, но и они всегда выполняют какую-то роль, даже если они чисто декоративные.
По моему мнению, главное в сумке – это внутреннее содержание. Особенно в мужской сумке. В моих сумках внутренность полностью организована. Кармашки и отделения для мобильного телефона, для ручек, для кредиток и деловых бумаг – важный атрибут и отличительная черта моих творений. Сумки легкие, застежки не громоздкие. Размеры совершенно разные. Вертикальные, горизонтальные, маленькие и просто крошечные.
К примеру, если мы идем в квартал Марэ вечером и нам нужно минимум вещей, то лучше брать сумочку-кошелек, в которую можно положить только все самое необходимое. Это целая философия - форма сумки организуется вокруг того назначения, для которого она создана. И заметьте, мои модели отличаются гибкостью, мягкостью, никаких лишних застежек и громоздкой фурнитуры.
Как видите, у меня коллекция делится на несколько частей. На Fashion French Touth были представлены классические модели, сумки для отдыха и аксессуары для деловых людей. Портфели, которых у меня много, по понятным причинам более удобны для работы. В них, как и в других сумках, также много внутренних карманчиков и отделений для разных вещей. И, кстати, в наших бутиках классическая форма портфелей продается по более низкой цене, чем дизайнерские модели.
FashionTime: У многих дизайнеров, которые занимаются аксессуарами, есть свои цветовые предпочтения. Скажите, а лично у Вас какая любимая цветовая гамма?
Gerard Henon: Я очень люблю зеленый цвет, но, к сожалению, клиенты приобретают в основном черные и коричневые цветовые оттенки, так как они более привычны и не такие маркие. В начале каждого сезона, делая новую коллекцию, я всегда представляю каждую модель в нескольких цветовых решениях. Оптовики, которые покупают новинки нашего производства, всегда выставляют сумки разных цветов, но, в конце концов, такой товар будет сальдирован, если, конечно, они не найдут какого-нибудь экстравагантного покупателя, скажем, американца.
FashionTime: У Вас все модели выполнены из разных материалов. Расскажите, из каких?
Gerard Henon: Как видите, самые разные материалы: кожа, нейлон, хлопок. Первостепенным материалом, конечно, является кожа. Причем начиная от грубой, почти сапожной кожи до мягкой и гибкой лайки. Цветовая гамма у кожи не такая богатая, как у нейлона и хлопка, поэтому, естественно, из синтетических нитей сумки всегда ярче и живее.
FashionTime: И последний вопрос: Вы впервые в России?
Gerard Henon: Нет. Я в России был 20 лет назад в Санкт-Петербурге, а вот в Москве впервые. Мне всё очень нравится, особенно ваши подземные переходы. Я наконец-то понял, как переходить дорогу, и я счастлив!
Дмитрий Логинов
http://fashiontime.ru/images/news/1/3305/4602_6424.jpg
Нет человека, интересующегося российской модой, который при перечислении лучших имен не упомянул бы марку Arsenicum и ее дизайнера Дмитрия Логинова.
Успех закономерен – качественная мужская, а теперь и женская одежда, несущая в себе не только красоту внешнюю, но и внутренний посыл - сексуальность и остроту стиля. Последняя коллекция - очередное достойное тому подтверждение.
О начале пути
Arsenicum родился практически на вечеринке Хэллоуин, где я познакомился с Андреем Бурматиковым («Fashion Сonsulting Group»), от которого через три месяца и поступило предложение о сотрудничестве с маркой мужской одежды Enton. Я должен был довести до ума коллекцию, которую марка собиралась представлять на RFW весной. Дело было очень ответственным, а времени, как всегда, не хватало даже на самые главные моменты. Мы перешили половину коллекции, и в итоге марка Enton была благосклонно встречена на RFW, а наше сотрудничество получило продолжение. Мы запустили молодежную линию – этот шаг был задуман как имиджевый проект, коммерческий успех во главу угла не ставился. Однако все идет как нельзя лучше.
О названии
Что касается названия марки, то так называлась одна из моих первых коллекций, одежда была связана-сшита в лучших традициях молодежного перформанса: из лент видео- и аудиокасет. Эти первые коллекции я показывал на красноярском конкурсе молодых дизайнеров «Поколение М», где и завоевал гран-при. Так я оказался в Москве, призом конкурса стали стажировка в L’Officiel и путешествие в Лондон. В итоге я год проработал штатным стилистом в L’Officiel, а затем была редакторская должность отдела моды в журнале ОМ. Arsenicum – это, кстати, не только сильнейший яд, мышьяк, но в переводе с греческого означает - «мужественный и сильный». Думаю, логичное название для марки мужской одежды.
О последней коллекции
Уже второй сезон над коллекцией я работаю совместно с Данилой Поляковым, он отличный стилист. Главными темами новой коллекции стали готика и рейв. «Gothic Caprice» состояла из двух больших блоков. Первый блок – люксовая презентация одежды под красивую музыку, повседневные и вечерние вещи, в том числе и женские. Второй блок, этакое настроение рейва – мы брали практически те же вещи, но подавали их в совсем ином ракурсе: с аксессуарами из искусственных волос, обувью на гигантской платформе (14 сантиметров), яркими деталями. Мы постарались задействовать все чувства зрителей, вплоть до обоняния. В зале витал аромат вишни, мы соорудили огромную конструкцию, и сок Caprice лился с высоты восемь метров. Зрелище было красочным.
Arsenicum и его особенности
Я перфекционист и максималист во всем том, что касается кроя. Мои вещи обязаны быть удобными, не скучными и должны визуально стройнить. Бытует мнение, что Arsenicum – одежда для субтильных юношей, но это в корне не так. Согласитесь, на стандартных моделях демонстрировать одежду легче и правильнее, они не отвлекают внимания от вещей. Однако среди наших клиентов есть люди с 72 размером одежды и не в юном возрасте. Естественно, мы с ними работаем индивидуально, но даже при таких нестандартных данных мне удается и сохранить стиль Arsenicum, и создать правильные пропорции, все благодаря крою. Фирменной фишкой марки стала складочка на спине между лопаток на пиджаках – это позволяет узнать нашу одежду без лейбла. Ну и конечно, настроение: сексуальность и мягкая дистанция, но ни в коем разе не вульгарность и не снобизм. Я за неявную роскошь и минимум украшательств. Такая одежда подойдет, прежде всего, людям активным и увлеченным, чью харизму марка Arsenicum призвана лишь подчеркнуть. Ведь сама по себе одежда ничто, именно человек делает стиль.
Винтажный Arsenicum
Если Вы планируете открыть через двадцать лет бутик винтажной одежды, то я бы порекомендовал купить два вечерних женских платья Arsenicum. На мой взгляд, именно они являются отражением и тенденций, и концепции марки на сегодняшний день. Первое платье очень широкое, но скроено оно так, что подчеркивает фигуру. То есть впереди облегает, а сзади тянется шлейф. По бокам оно декорировано мягким полупрозрачным черным пластиком, создающим полное впечатление присутствие на платье воска. Второе, сложносочиненное платье состоит из телесного комбинезона с кожаным верхом и длинной юбки из перфорированного тонкого сукна. Возможно, кто-то найдет его провокационным, ведь кажется, что платье надето на голое тело. Эти платья полностью отражают мое творческое состояние, к тому же они просто красивы. С одной стороны, просты, а с другой, сложны и по конструктивному наполнению, и по философскому содержанию. Что касается мужской одежды, то я не могу вычленить отдельную вещь, коллекции очень цельные.
О вдохновителях
Я не вдохновляюсь отдельными деталями, у меня нет фетишей, мне ближе образы, эпохи и конкретные люди. Нравится творчество Данилы Полякова, он обладает иным видением красоты, иногда его выбор может даже обескуражить. Он большой любитель trash`а, но в его силах преподать самую ужасную вещь, на рядовой взгляд, очень изящно, немного с юмором и без тени пошлости, придать ей новый смысл и значение. Данила обладает совсем другим видом вкуса, нежели я, но тем не менее наша совместная работа очень гармонична. Если через долгие споры мы приходим к единому знаменателю, значит, родилась правильная вещь. Революция Тома Форда тоже нашла во мне отклик, думаю, наше видение красивого похоже. Мне нравятся его бесконечно сексуальные вещи, они немного агрессивны, его яркие запоминающиеся рекламные кампании для Gucci, его идеальные пропорции в мужских костюмах. Его творчество буквально завораживает. Главный редактор L’Officiel, Эвелина Хромченко, научила меня главному – нет ничего важнее того дела, которым ты занимаешься. Чтобы добиться успеха, ты должен обладать стержнем и не размениваться на мелочи, нужно работать и быть перфекционистом. И в то же время нужно уметь оценивать свои результаты объективно, чтобы не топтаться на одном месте, а двигаться вперед.
Кензо Такада
http://fashiontime.ru/images/news/1/2934/1180_4254.jpg
Кензо – это не просто гениальный восточный дизайнер, которого все знают лишь по имени и называют «самым европейским из всех японских модельеров». Это – уникальное явление в моде, которое можно по-настоящему ощутить, лишь задействовав в полной мере все данные человеку органы чувств. От наслаждения пряными, магическими ароматами до созерцания экзотических образов, созданных в его коллекциях, от неведомых доселе тактильных ощущений, возникающих при соприкосновении с редкими тканями, до завораживающей музыки на его показах – именно так происходит знакомство с творчеством самой простой и загадочной персоны из Страны Восходящего Солнца.
Кензо Такада (Kenzo Takada) родился в Киото, на юге Японии в 1940 году. Сложившиеся десятилетиями традиции в его образцовой семье почитались как наивысший закон, поэтому путь ребенка был предопределен: Кензо должен был стать литератором. Однако мальчик уже в столь юном возрасте имел собственные убеждения. Он идет наперекор родителям и уезжает в Токио. В столице Кензо устраивается простым маляром, каждый день с нетерпением ожидая вечерних курсов в художественной студии.
В 1958 году Такада поступает в Школу Моды Bunka Gakuen. Его совсем не смущает, что на его курсе одни девчонки, вечно хихикающие над столь «немужским» выбором Кензо. Но постепенно однокурсницы начинают все больше уважать его, осознавая, что он, как ни странно, талантливее всех их вместе взятых. Одним из первых доказательств стала победа молодого дизайнера в престижном национальном конкурсе Soen в 1960 году. Сразу после триумфа молодого таланта приглашает на работу сеть магазинов Sanai, и Кензо начинает шить одежду для девочек, демонстрируя необыкновенную работоспособность: дизайнер создает не менее 40 интереснейших моделей в месяц.
Сначала работа очень вдохновляет дизайнера, но спустя 3-4 года она уже кажется ему однообразной. Париж - вершина модного Олимпа – вот что манит Кензо. И он бросает все, переезжая в столицу Франции в 1964 году. Однако там его никто не ждет: Европа в то время была во власти абсолютно иной философии. Целеустремленный японец проводит несколько самых сложных месяцев в своей жизни, пока ему удается мало-мальски устроиться, и вновь начинает рисовать эскизы одежды, предлагая их самым знаменитым маркам. Именно тогда Кензо впервые замечают: 5 его моделей пришлись по вкусу знаменитому кутюрье Луи Феро (Louis Feraud), и Такада очень быстро приобретает известность в fashion-кругах, начиная работать с несколькими крупными производителями, среди которых - Pisanti и Relations Textiles.
В 1970 году, когда у Кензо Такада уже была готова полноценная коллекция, дизайнер случайно находит полуразвалившийся старинный магазинчик. Своими руками – тут-то и пригодился опыт маляра! – модельер делает там ремонт, создает недорогой, но весьма оригинальный интерьер и выставляет там свою линию одежды. Именно тогда искушенные парижанки обращают внимание на японского гостя, стиль которого очаровал их мгновенно.
Главное, что привлекло в то время жительниц Европы в одежде от Кензо, – ощущение гармонии, которое она дарила. Нет, конечно, это было еще не самое лучшее, что сделал за свою успешную карьеру талантливый японец, однако те вещи в стиле casual были выполнены исключительно из высококачественного хлопка, имели более широкие прорези для рукавов и непривычно удобную линию плеча. Уже на следующий год Кензо становится знаменитым на весь мир, а его столь успешный бутик «Jungle Jap» американский Vogue называет новой ступенью в развитии парижской торговли готовой одеждой. В 1972 Такада устраивает первое крупное дефиле на вокзале Orsay, которое ожидет ошеломляющий триумф.
В 1975 году для Кензо наступает момент истины: несмотря на свой успех в Европе, он испытывает огромное волнение перед первым показом на своей родине. Опасения были напрасными: Токио принимает своего дизайнера с восторгом, а два года спустя такой же успех ожидает его в Нью-Йорке. Кензо называют «Великим Белым дизайнером» благодаря невзначай оброненной кем-то фразе, хотя на самом деле Такада как раз не жалует своим вниманием белый цвет. Его коллекции представляют собой феерический калейдоскоп оттенков и самых замысловатых линий: этот стиль было невозможно ни скопировать, ни перепутать с другим.
В 1990 году империя Кензо расширяется за счет мужских коллекций, джинсов, детской одежды и, конечно же, абсолютно уникальной парфюмерии.
Излюбленные мотивы Кензо – цветы и листья, и даже самые знаменитые его духи – во флаконе-листе. Дизайнер обожает принты в виде шкур животных, вариации на тему шотландки и смелые комбинации цветов. Такада ввел в моду простые, даже слегка детские силуэты – шорты до колена, мини-пальто, платья-свитеры, огромные береты и, конечно же, рукава-кимоно. Национальный японский костюм вообще стал начальной базой для творчества дизайнера, однако Кензо черпал вдохновение не только в истории кимоно. В своем творчестве он по-новому интерпретирует и испанские болеро, и традиционные австрийские жакеты, и индийские брюки, и китайские туники.
В 1999 году Кензо Такада создал свою последнюю коллекцию в стенах собственного Дома моды. Эстафету перенял холдинг LVMH, а художественным директором Kenzo стал Жиль Розье (Giles Rosier). Разумеется, все не было так просто и безболезненно: передача прав на мировой брэнд проходила со скандалами и судебными разбирательствами. Однако сам Розье порадовал своей бережной и виртуозной интерпретацией лучших традиций стиля Kenzo: в октябре 2001 года он представил коллекцию на тему экзотических тропиков, основным стилистическим приемом которой становится яркая и роскошная вышивка на белой и серой ткани.
Но сам Кензо Такада вовсе не планировал исчезать. Сначала он создает новый лейбл «Yume», затем придумывает коллекцию одежды в японском стиле для крупнейшего в Европе каталога La Redoute.
Спустя два года Жиль Розье также уходит для работы над собственным лейблом, а дизайнером Kenzo становится Антонио Маррас (Antonio Marras). Его шоу на Неделе высокой моды в Париже в 2004 году было самым ярким и заметным. Великолепно исполненная коллекция, полная выразительных эмоций, детской игривости, легкости и необыкновенного единения мировых культур, вновь оправдала все ожидания. Однако это была очередная – пусть даже великолепная и безупречная – скульптура из того же самого материала, с которым в свое время работал сам Кензо Такада.
«Парижский японец» Кензо продолжает строить собственный новый мир и по сей день. Его новый лейбл Gokan Kobo («Мастерская пяти чувств») – новая ступень в творчестве, но рожденная из прежней философии. Конечно, рекламных ресурсов, которыми располагает нынешний владелец Дома Kenzo, у самого дизайнера для продвижения собственной марки пока нет, хотя успеху его бизнеса могут позавидовать многие модельеры. Ведь самым главным по-прежнему является то, что Кензо остается единственным Мастером, которому подвластно переплести в единую стилистическую нить все нюансы восприятия, которыми обладает человек.
Коко Шанель: Великая Королева Моды
http://fashiontime.ru/images/news/1/2765/4404_7982.jpg
Идеи, которые она воплотила в начале XX века, оказались поистине революционными. Она освободила женщин от удушающих корсетов, длинных пышных юбок, экстравагантных шляп и замысловатых украшений. Простые, строгие, четкие линии, подчеркивающие достоинства и скрывающие недостатки фигуры, пришли на смену рюшкам и оборкам. Женщины с восторгом приняли гениальную философскую концепцию Шанель: чтобы великолепно выглядеть, необязательно быть молодой и красивой. Мода от Шанель не устаревает. Все ее вещи - простые и удобные, но вместе с тем стильные и элегантные, остаются актуальными из года в год, независимо от происходящих в мире моды перемен.
Габриэль Шанель (Gabrielle Chanel) родилась во французском городе Сомуре (Saumur) 19 августа 1883 года. После смерти матери Шанель отец оставил семью, и детство девочка провела в приюте, а потом в монастыре. В 18 лет она устроилась продавцом в магазин одежды, а в свободное время пела в кабаре. Любимыми песнями девушки были «Ko Ko Ri Ko» и «Qui qua vu Coco», за что ей и дали прозвище – Коко.
Габриэль не преуспела в качестве певицы, однако во время одного из ее выступлений офицер Этьен Бальзан (Etienne Balsan) был очарован Коко. Она переехала жить к нему в Париж, но вскоре ушла к Артуру Капелю (Arthur Capel). Именно он помог Габриэль открыть в Париже в 1909 году магазин женских шляпок.
В военные годы дом моды Габриэль переместился на улицу Cambon, где и находится по сей день, как раз напротив отеля Ritz. К 1919 году у Шанель уже были клиенты во всём мире. Многие носили ее фланелевые блейзеры, юбки свободного покроя, длинные свитера из джерси, матроски и знаменитый костюм (юбка + жакет). Сама Коко сделала себе короткую стрижку, носила маленькие шляпки и солнечные очки.
Габриэль была знакома со многими великими людьми: Пабло Пикассо, известным балетным импресарио Сергеем Дягилевым, композитором Игорем Стравинским, драматургом Жаном Кокто. Многие искали общения с известной художницей просто из любопытства, однако с удивлением находили Коко неглупой, остроумной, оригинально мыслящей женщиной. Сам Пикассо назвал ее «самой рассудительной женщиной на свете», мужчин привлекала в ней не только внешность, но и неординарные личные качества, сильный характер, непредсказуемое поведение. Коко была то неотразимо кокетлива, то чрезвычайно резка, прямолинейна, даже цинична.
В 1920–1930-е годы Коко создала множество нарядов, которые вошли в историю моды. Кроме того, в 1921 году появились знаменитые духи «Chanel № 5», а также был открыт бутик аксессуаров в Париже. В 1926 году американский журнал Vogue приравнял по универсальности и популярности «маленькое черное платье» к автомобилю «Ford». Несмотря на огромный успех моделей Шанель, в 1939 году Коко закрыла все бутики и дом моды в связи с началом Второй мировой войны. Многие кутюрье покинули страну, но Коко осталась в Париже.
В послевоенные годы у Коко появился опасный конкурент - Кристиан Диор, который сделал женщин похожими на цветы, одев их в кринолин, затянув им талию и напустив многочисленные складки на бедра. Мадемуазель Коко была очень ревнива и прижимиста. Она всегда носила с собой ножницы, и был случай, когда Шанель, увидев костюм от Givenchy на одной из своих манекенщиц, подошла и мгновенно вспорола его, сказав, что теперь костюм выглядит лучше!
В 1950–1960-е годы Габриэль сотрудничала с различными голливудскими студиями, одевала таких звезд, как Одри Хепберн (Audrey Hepburn) и Лиз Тэйлор (Liz Taylor). В 1969 году легендарная актриса Кэтрин Хепберн (Katharine Hepburn) исполнила роль Шанель в бродвейском мюзикле «Коко».
В 1954 году в возрасте 70 лет она с триумфом вернулась в мир моды. Первой реакцией поклонников и прессы на показ новой коллекции Шанель были шок и возмущение - она не смогла предложить ничего нового!
Особого рассказа достойны ее духи «Шанель № 5». Еще в 1920 году русский князь Дмитрий Романов познакомил Коко с эмигрантом из России, парфюмером Эрнстом Бо. По просьбе Шанель парфюмер собрал в пробирки 20 различных смесей цветочных ароматов, Коко выбрала пробирку с пятым номером, добавила туда запах ландыша и назвала духи «Шанель № 5». До этого смеси различных ароматов в женских духах считались неприличными.
«Духи для женщины, которые пахнут, как женщина», - сказала Шанель о своем творении. Когда у Мерилин Монро спросили: «Что вы надеваете на ночь?» - голливудская звезда игриво ответила: «Пять капель «Шанель № 5».
Она никогда не рисовала свои модели на бумаге, предпочитая работать с материалом иглой, нитками и ножницами прямо на манекенщице. Теорий у Коко Шанель не было, она просто следовала своей гениальной интуиции. Примечательно, что сама она брюки носила редко, считая, что этот мужской атрибут женщинам не подходит. Женские колени Шанель считала некрасивой частью тела, а поэтому ее юбки были всегда чуть ниже колен.
К старости характер у Шанель стал весьма вздорным. Язычок у Коко был язвительным: не стесняясь, она часто использовала крепкие словечки. Когда после войны ее обвинили в связи с немецким дипломатом, Шанель заявила: «Если в моем возрасте появляется любовник моложе меня на 15 лет, я не спрашиваю, какой он национальности».
Габриэль Шанель, основательница самого известного и шикарного модного дома, умерла тихой смертью 10 января 1971 года в возрасте 88 лет в номере-люкс отеля «Ритц» в Париже.
«Главное в женщине не одежда, а милые манеры, рассудительность и строгий режим дня» - эта заповедь Коко Шанель до сих пор остается актуальной для огромной армии поклонников Легендарной Мадмуазель.
Jack Sparrow
06 Mar 07, 00:35
Карл Лагерфельд
http://www.dni.ru/upimg/h_95582.jpg
Из здания, в котором проходил показ одной из коллекций Дома Chanel, вышла целая процессия, возглавляемая седовласым господином в отменном черном костюме, больших темных очках и с веером в руке. За ним следовали могучего телосложения охранники и еще какая-то менее рослая свита – все в темных костюмах и белых сорочках. Они шли достаточно быстро, но не суетливо, оставляя в воздухе некую мистическую субстанцию – едва уловимый шлейф холода и отчужденности. Ну, конечно, это же так очевидно: определенно он мистификатор – этот седовласый господин. Кто-нибудь из вас видел его глаза? Кому-нибудь он говорил о сокровенном? Кого-нибудь впускал в свой «храм творчества»: именно свой, а не тот, где он подражает стилю Великой Мадам, называя это «воскрешением ее духа»? В этом человеке вопросов больше, чем ответов.
Карл Лагерфельд родился в Гамбурге 10 сентября 1938 года в достаточно зажиточной, благополучной семье немецкого банковского служащего. Деловая хватка и предприимчивость отца, заработавшего когда-то целое состояние на поставках консервированного молока в Европу, позволила мальчику получить отличное образование. Карл в совершенстве овладел тремя иностранными языками – английским, итальянским и французским. Перечитал почти всю родительскую библиотеку. Но одним классическим воспитанием не обошлось: как вспоминает сам Лагерфельд, огромную роль в становлении его «я» сыграла мать – чистокровная аристократка, прекрасно разбирающаяся в парфюмерии и моде. И поскольку фрау Лагерфельд буквально боготворила своего сына, она стремилась привить ему изящный вкус и манеры. Можно сказать, что будущую профессию Карлу тоже выбрала она. Однажды, пресытившись его игрой на пианино, мама с шумом захлопнула крышку инструмента и сказала: «Тебе следует заняться рисунком – это, во всяком случае, не производит столько шума».
В четырнадцать лет, осознав, что для дальнейшего роста ему нужна новая, более раскованная атмосфера, чем в отчем доме, Карл с родительского благословения отправляется в Париж и... оказывается в плену у этого свободного и раскрепощенного города – родины высокой моды и изысканных парфюмов. Здесь Карл со рвением прилежного школяра продолжил свою учебу. Но однажды, оторвав взгляд от скучных учебников и конспектов, вдруг решил сотворить «что-то».
Когда это «что-то» попало на конкурс модных эскизов, в жюри которого восседали Кристиан Диор, Пьер Бальман и Юбер Живанши, Карлу Лагерфельду исполнилось 16 лет. Так закончилась правильная, размеренная жизнь немецкого студента и началась новая – богемная, сумасшедшая, но самое главное – взрослая...
Вскоре после удачного дебюта на престижном конкурсе эскизов Карла приглашает к себе на работу сам Пьер Бальман. Три года он трудится в его студии, разрабатывая эскизы, совершенствуя свое мастерство и параллельно изучая, как работают маленькие винтики, составляющие огромный механизм моды.
В 1958 году Лагерфельда приглашают в Дом Жана Пату, где он задерживается на пять лет, создавая по две коллекции haute couture в год.
А в 1963 делает рискованный «трюк», который до сих пор так никто и не решился повторить, – начинает работать сразу с четырьмя домами моды – Chloe, Krizia, Charles Laurdan и Fendi, создавая для каждого абсолютно разные коллекции.
Здесь, пожалуй, наиболее ярко «прорисовался» великий талант Карла Лагерфельда: он отлично «подделывал почерки» прославленных домов, нисколько не «ломая» старые наработки отцов-создателей, при этом добавляя в их стили свои изюминки.
Последним и самым важным в карьере Лагерфельда стал контракт с Домом Chanel. После смерти легендарной Коко в 1971 году кресло главного стилиста Дома сиротливо пустовало в надежде «пригреть» духовного и идейного наследника Великой Мадам. Но, как на грех, несколько дизайнеров, поочередно пытавшихся взять Дом в свои руки, оказались талантливыми индивидуалистами. Владельцам же марки Дома Chanel нужен был человек, который бы сохранил уникальность и неповторимость стиля, да, пожалуй, и дух самой Габриэль Шанель. Карл Лагерфельд гениально воссоздал дух Шанель, внеся при этом в коллекции изюминку современности. Этот «коктейль» публика с восторгом проглотила.
В 1983 году Лагерфельду поручают линию высокой моды, а в 1984 – все направления готовой одежды. Нечеловеческая работоспособность Карла Лагерфельда была вознаграждена. Его триумф был заслуженным.
Каждый год он создает в среднем 2500 эскизов, то есть более семи моделей ежедневно. Его рабочий день длится 20 часов.
Чем он занят все это время? Рисует, «сочиняет» духи, фотографирует свои идеи, воплощенные в тканях, читает. Да-да, у него три страсти, о которых он разрешает «знать» публике.
Духи – это его первая страсть, «основной инстинкт». «Для меня нет большего удовольствия, чем собирать аромат – нотка к нотке, создавая те или иные сочетания и обдумывая, как определенный акцент может отобразиться на человеческих чувствах. Я не могу отделить создание аромата от разработки коллекции: и то и другое – части единого целого».
В его «личном архиве» – аромат для Chloe под именем Parfumes Lagerfeld, napфюм Photo, мужские духи JAKO и KL – одна из самых удачных его работ.
Страсть вторая – фотография. Как-то Лагерфельд сказал, что видит мир, будто сквозь линзу фотоаппарата, а фото для него – это способ отражения реальности. Все фоторекламы своих новых коллекций создает он сам – никому не доверяет этот интимный процесс.
Книги – это третий Бог Лагерфельда. В какой бы стране мира он не оказался, всегда привозит оттуда какой-нибудь фолиант любимого автора, среди которых Бальзак и Достоевский, или книгу об искусстве. Так что коллекции Лагерфельда позавидовали бы даже некоторые библиотеки. Кстати, в 2000 году часть коллекции книг о французском искусстве XVIII века он продал на аукционе Christei's.
За что бы ни взялся этот гений моды, во всем он достигает успеха. «Причина моего успеха – умение всегда идти вперед, опережая время. Творчество, работа и личная жизнь для меня – единое целое. Каждое мое достижение – произведение моих рук, и поэтому я счастлив», – так считает он сам. Интересно, это тоже талантливая мистификация счастья? Ну уж нет – похоже, так и есть на самом деле. Просто люди иногда рождаются под счастливой звездой.
Клиентки Дома Chanel – женщины состоятельные. Но и среди них есть своего рода элита. Например, миллионерша Муна Аюб закупает понравившуюся ей коллекцию всю без остатка.
Эти вещи она хранит в специально купленном для этой затеи доме. Но, похоже, только хранит. Самое смешное, что на показах мод Муна появляется в более чем скромной одежде – темных брюках и свитере. Интересно, куда же она надевает наряды от Chanel?
Жаклин Кеннеди когда-то училась в Сорбонне. Так что возвращение ее в Париж в качестве первой леди Америки было в чем-то символическим. Первым делом после визита к тогдашнему президенту Шарлю де Голлю, Жаклин отправилась к Коко Шанель – знакомиться. С тех пор Жаклин стала своеобразной рекламой фирмы Chanel. Даже в тот роковой для Кеннеди день в Далласе Жаклин была одета в розовый костюм от Chanel с оборками синего шелка и розовую шляпку.
Примечания
Уже в двенадцать лет он твердо знал, что будет делать в этой жизни. И добился почти всего, о чем мечтал. Не курит и не пьет: такому правильному человеку в парижской богеме, наверное, приходится нелегко. У него ослепительной белизны волосы. Как достигается такой эффект? Утром волосы выглядят точной копией прически Бетховена. Зачесав их назад, посыпает волосы пудрой, заливает лаком. Еще один слой пудры – и снова лак. Ну, в общем, приблизительно так, как делали в XVIII веке, но с более современными составляющими. На публике всегда появляется в темных очках, ибо глаза выдают усталость. Возможно, для кого-то в очках и с веером он выглядит карикатурно, но это его не смущает. К психотерапевтам никогда не обращался, может быть, потому что когда-то прочитал письмо, в котором один из пациентов Фрейда писал своему другу: «Никогда не пользуйся сеансами психотерапии. Это убивает творческую деятельность». Считает, что мысли только лишь о приятных вещах – лучшая терапия. Ни о чем никогда не жалеет. И в случае успеха, и в случае провала. Создает восхитительные коллекции, но слава, власть мало интересуют. Воспоминания о днях ушедшей юности наводят скуку. Он живет настоящим и находит его великолепным.
Все-таки - это дизайнер! Я была права! :party:
Роберто Кавалли: квинтэссенция сексуальности
http://fashiontime.ru/images/news/1/2737/7363_7260.jpg
Роберто Кавалли (Roberto Cavalli) сумел произвести революцию в моде последних лет – и это в то время, когда, казалось бы, искушенную публику вряд ли можно было чем-либо удивить. Креативные джинсы со всевозможными потертостями и металлическими заклепками, широкие ремни на бедрах, кожа с принтами, белье, имитирующее шкуру леопарда: сейчас создается впечатление, что эти вещи просто существовали всегда, но на самом деле придумал их именно Кавалли. Этот модельер всегда балансирует на грани скандальности и сдержанности, китча и элегантности, дикой сексуальности и невинности. Многие уверены, что, надев вещи из его лучших коллекций, становишься его фанатом навсегда. Яркий тому пример – огромное количество звезд – от Бритни Спирс (Britney Spears), Кристины Агилеры (Christina Aguilera) и Алисии Киз (Alicia Keys) до Дэвида Бекхэма (David Beckham), Боно (Bono) и Ленни Кравица (Lenny Kravitz), которые просто обожают Роберто Кавалли и одежду для своих выступлений предпочитают покупать только у него. А некоторые звезды, к которым всегда приковано всеобщее внимание, умеют комбинировать вещи этого дизайнера так, что они превращаются в настоящую взрывную смесь. Почти кричащие цветовые сочетания, эротичный гламур, завуалированная откровенность: Кавалли сделал ставку на небрежно-порочный шик – и победил!
Роберто Кавалли любит секс. Секс – как уникальную философию своего стиля, никогда не опускавшегося до обыденной пошлости и вульгарности. Огромное удовлетворение модельеру доставляет созерцание того, как звезды в его одежде наслаждаются своим статусом секс-символов, и Кавалли никогда не скупится на соответствующие атрибуты – баснословные струящиеся платья, кристаллы, перья, меха... Причем он умудряется шокировать даже самых прогрессивных знатоков моды новыми, эпатажными «фишками»- от шкуры леопарда и аллигатора до вечерних платьев из тончайшего денима.
Роберто Кавалли родился 15 ноября 1940 года в обыкновенной флорентийской семье весьма скромного достатка. Но с родителями нынешнему королю моды несказанно повезло, особенно с их профессиями. Мать дизайнера была швеей, а отец – достаточно известным в то время художником-импрессионистом, поэтому творческая среда в доме была обеспечена.
Начав обучение в Академии Искусств во Флоренции, Роберто незамедлительно приступил к экспериментам с одеждой. Сначала это были всевозможные принты на футболках. Далее дизайнер решил попробовать и с другими тканями, и вот тогда-то он впервые нанес принты на кожу.
В начале 60-х Роберто Кавалли открывает собственное производство и создает свою первую коллекцию одежды, навеянную мотивами произведений искусства: европейская элита просто «проглатывает» эту коллекцию. Он соединяет деним и кожу, и этот своеобразный «пэчворк» производит настоящий фурор, ведь до того момента подобное сочетание могло встретиться только у рабочего класса. Но негативных ассоциаций практически ни у кого не возникло, а тем временем Роберто Кавалли обратил на себя внимание итальянского Vogue. В течение последующих 10 лет европейские сливки общества пристально наблюдали за тем, «что этот итальянец вытворит на сей раз». А когда французская кинодива Брижит Бардо (Brigitte Bardot) появилась босой на элитном пляже Сен-Тропе в одном из нарядов от Кавалли, вокруг его имени поднялся невообразимый ажиотаж. Но дизайнер по-прежнему считался слишком скандальным и оставался аутсайдером модной индустрии. А в 80-е о нем вообще забывают: в то время в итальянской моде безраздельно властвовал Джанни Версаче (Gianni Versace).
Все резко меняется в середине девяностых, когда Кавалли выпускает одну из самых лучших коллекций: пальто, декорированные кристаллами, принты в виде шкур животных и «состаренная» кожа. Самые яркие звезды той эпохи – Кейт Мосс (Kate Moss), Наоми Кэмпбелл (Naomi Campbell) и Мадонна (Madonna) заполняют свои гардеробы вещами из этой линии, и модницы со всего мира спешат последовать их примеру. Для дизайнера наступает горячая пора: он решает предложить свой стиль почти всем категориям покупателей. Так, незамедлительно появляется мужская линия, затем более доступная и пользующаяся огромным успехом и по сей день марка Just Cavalli, коллекция Freedom в стиле casual, похожая на нее Angels: довольны были абсолютно все. В 1999 году Роберто открывает в Нью-Йорке на Madison Avenue огромный бутик, который так любили героини «Секса в большом городе», и в одночасье самые знаменитые модницы Большого Яблока начинают одеваться именно там. А уж оглушительный успех линии Cavalli Jeans становится окончательным подтверждением признания этого итальянца американской публикой, для которой деним всегда являлся частью национальной культуры и все «чужестранные» марки воспринимались, по традиции, в штыки. В 2002 году популярность и признание модельера не угасают: Fashion Group International провозглашает Роберто Кавалли «Дизайнером Года», а сам кутюрье активно развивает другие направления собственного бизнеса: открывает ресторан и шоколадную фабрику, запускает первый аромат «Roberto Cavalli Parfum», а также создает коллекцию стильных предметов для дизайна интерьера.
Личная жизнь кутюрье всегда вызывала повышенный и вполне объяснимый интерес со стороны публики: считалось, что его отношения должны быть столь же экстравагантны, как и его творчество. Поэтому Кавалли неоднократно приписывались романы с мегазвездами, причем как женского, так и мужского пола. А между тем дизайнер с 1978 года и по сей день живет со своей женой и по совместительству главным бизнес-партнером Евой Дьюрингер (Eva Duringer). Будущие супруги познакомились на конкурсе «Мисс Вселенная», где Роберто был членом жюри, а Ева – конкурсанткой, представляющей Австрию.
Кавалли очень часто упрекают в том, что его вещи слишком шикарны, что позволить носить их может даже не каждая звезда. А дизайнер и не спорит: разве может быть «слишком», когда речь идет о настоящей, выверенной до мельчайших деталей красоте. Да, его одежда – для избранных, но кто сказал, что он стремится к массовости? «Сегодня так трудно быть знаменитым. Крайне трудно. Но я люблю особенных людей, а особенные люди любят меня и мою одежду», - признается Кавалли.
Король китча John Galliano
http://fashion.rin.ru/images/3734.jpg
Джон Гальяно – британский дизайнер, работающий в жанре эклектики и авангарда. Благодаря революционным идеям Гальяно консервативный Дом Christian Dior обрёл второе дыхание и возвратил себе былую популярность.
Джон Гальяно - дизайнер собственной марки одежды. Он одет как трудный подросток - огромного размера шорты и майка, черный берет, огромный медальон на голой груди и горнолыжные темные очки в золоченой оправе. Он слушает клубную музыку и ходит в спортзал. Не пьет, отказался от кофе, но пачка "Marlboro" у него всегда с собой.
Гальяно родился в Гибралтаре в 1960 году, и, когда Джону (тогда Хуану Карлосу Антонио) было шесть лет, семья перебралась в Лондон. Отец его был водопроводчиком, а мать занималась детьми - она учила их танцевать фламенко на кухонном столе и наряжала, как вспоминает Гальяно, "по любому поводу - даже просто дойти до угла".
Джон - любимец модного истеблишмента, один из самых влиятельных создателей моды в мире. Эклектичный Гальяно одевал многих знаменитостей: от Принцессы Дианы и Кейт Бланшетт до пародийной примадонны Диты Фон Тиз. На его показах в первом ряду - целая галерея звезд: от Николь Кидман и Деми Мур до Селин Дион и Кристин Скотт Томас.
После назначения творческим директором сначала Дома Givenchy (1995), а потом и Дома Dior (1996) Гальяно утопает в роскоши и делает ставку на дорогостоящую женственность. Его вечерние платья, навеянные историей, превращают женщин в сказочных принцесс прошлого. Под фейерверком эффектных деталей, плетений и каскадов кружев скрывается неожиданно удобная в носке, великолепно скроенная одежда. Как только появилась финансовая возможность, дизайнер осуществил свою давнюю мечту – он создал собственный Дом Моды. Его царство расположилось в помещении одной из бывших кукольных фабрик Лондона. Коллекции Дома Гальяно поражают оригинальностью и смелостью. Традиционно эти линии одежды более игривы, чем те, что он создает для Dior.
Абсолютный романтик, тоскующий по XVIII веку, он творит для сегодняшнего дня. Обожает причуды, нагромождает драгоценности, вышивки, бахрому, аппликации и в то же время может скроить простое платье так, что это будет предел мечтаний. Необузданное воображение - характерная черта Джона Гальяно. Наброски, эскизы, лоскутки тканей - все это будет потом. Дизайн Гальяно начинается с женского образа. Это может быть историческая фигура, героиня романа или просто плод его воображения. "Меня вдохновляет личность. Я представляю, какой была эта женщина, что она носила, что хотела бы носить, где жила, кто были ее любовники, - рассказывает Гальяно. - Может быть, она бежала из России, как Великая Княжна Анастасия", - это высказывание относится к его коллекции "Принцесса Лукреция" (весна-лето, 1994).
Придуманный им образ принцессы Лукреции возник из случайно прочитанной газетной статьи об исследовании останков царской семьи, найденных в Екатеринбурге: царь Николай, царица Александра и только трое из пяти детей. Эта история настолько захватила Гальяно, что он создал коллекцию пышных бальных платьев, атласных стеганых накидок и юбок из тафты, которые могла бы носить его мифическая принцесса-беглянка. Впервые он обратил свои взоры к России в ноябре 1997 года – открыв первый бутик в Москве. Сам Гальяно никогда в ней не был, но Россия вдохновляет его, и он говорит, что мечтает приехать.
Прирожденный шоумен, известный на весь мир, он может с закрытыми глазами описать все технические тонкости покроя жилета XVIII века. Его творения - столкновение исторических эр, фантазия сценического искусства в обрамлении современных технических средств.
"Одежда - это способ самовыражения и часть творческого процесса, - говорит он. - Я превращался то в торговца автомобилями, то в цыгана или матадора". Он говорит в прошедшем времени, так как теперь старается одеваться нейтрально: "Я выдавал слишком много секретов, используя в собственном облике характерные детали будущей коллекции".
Бесспорно, Гальяно - звезда мировой моды и должен следовать жесточайшему расписанию. Он мечется между Домом Dior и своим собственным и делает по двенадцать коллекций в год.
Гламурный инфант поп-арта, он не только создает образы редкой красоты, но и обладает поразительным человеческим магнетизмом. Магнетизмом, заставляющим моделей кротко принимать от него любые сюрпризы - даже ведро холодной воды перед выходом на подиум.
Биография
1960 Родился 28 ноября в Гибралтаре.
1985 С отличием закончил Колледж Искусства и Дизайна св. Мартина в Лондоне (St. Martin's College of Art and Design).
Дипломная работа "Les Incroyables", навеянная мотивами французской революции, производит настоящую сенсацию.
1985 Представляет женскую коллекцию "The Ludic Game" на Британской Неделе высокой моды.
1986 Представляет коллекции "Fallen Angels" (весна/лето) и "Forgotten Innocents" (осень/зима).
1987 Удостаивается титула "Британский Дизайнер Года" ("British Designer of the Year"). Впоследствии еще несколько раз получит этот титул - в 1994, 1995, 1997 году.
1988 Показывает коллекцию "A Streetcar Named Desire" (весна/лето).
1987-89 Гальяно становится ответственным за коллекции ready-to-wear Дома Balenciaga.
1990 Показывает коллекцию ready-to-wear в Париже по приглашению Синдиката Высокой Моды (Chambre Syndicale de la Couture Parisienne).
1992 Представляет коллекцию "Наполеон и Жозефина" ("Napoleon and Josephine").
1994 Создает коллекцию "Princess Lucretia" («весна-лето»), вдохновленную 30 годами и состоящую из кринолинов, вечерних платьев, скроенных по косой, костюмов-пижам.
1995 Разрабатывает коллекцию "Misia Diva" («весна-лето») - современный гламур.
1996 Представляет коллекцию "La Papillon et la Fleur". Создает первые коллекции haute couture и pret-a-porter для Дома Givenchy. С 1997 г. Гальяно становится главным дизайнером коллекций haute couture и pret-a-porter Дома Dior.
1998 Новая коллекция Гальяно «весна-лето» для Дома Dior пронизана декадентской атмосферой ночной жизни Берлина 1920-х годов. Гальяно получает международную премию CFDA International Award.
2002 Freak Glamour Fashion show в Милане.
2005 Фееричный показ Джона Гальяно, доказавший, что нестандартные фигуры и лица тоже в моде.
Ральф Лорен: «Я ненавижу слово «мода»
http://fashiontime.ru/images/news/1/2646/4692_5123.jpg
Стоит произнести имя «американского любимца» Ральфа Лорена (Ralph Lauren) – Вселенная словно взрывается, и в сознании возникают сотни клише, связанных с его стилем. Однако почти никому не дано узнать, кто именно скрывается за этим человеком-мифом, выросшим в бедном квартале Бронкса в семье родителей, иммигрировавших 66 лет назад из России в Америку.
Он редко дает интервью, предпочитая слушать. «Поговорить обо мне, но почему?», - задает он традиционный вопрос и тут же переводит разговор на своего собеседника, демонстрируя уникальное умение выслушать и понять.
Да и в самом деле, зачем говорить о нем? Причин несколько. Прежде всего, потому, что Ральф Лорен живет тихо и незаметно, хотя с первого взгляда становится понятно, что он счастлив. А еще потому, что он создал огромную империю, отдав ей все, что у него есть: свою жизнь, свой талант, свое имя. Причем управлять этой империей он может отовсюду – из поместья в Колорадо, из квартиры на Манхеттене, из небольшого домика на пляже Ямайки или из виллы в Бедфорде, штат Нью-Йорк, причем неважно, где именно находится дизайнер, – свое присутствие он умеет обозначить многими способами.
В отличие от «какого-нибудь Джорджио Армани (Giorgio Armani)», которым, впрочем, сам модельер всегда восхищался, осознавая, что у них совершенно нет ничего общего, Лорен никогда не искал славы, скорее, наоборот, бежал от нее. Но при этом история его успеха уже сорок лет является настоящей американской гордостью. «Я всегда знал, что стану кем-то в жизни», - говорит Ральф Лорен чуть слышным голосом. - «Я стремился к успеху, я по-настоящему бился, чтобы моя дальнейшая жизнь отличалась от той, которая меня ожидала, и мне просто повезло: очень рано в моем сознании появилось представление о том человеке, которым я хотел стать».
А началось все в 1966 году, когда Лорен начал создавать крупные галстуки, которые он «позаимствовал» из романов Фитцжеральда: именно эта вещь становится не только первой визитной карточкой дизайнера, но и его пропуском в Большую Америку, которую он в то время решил покорить. Уже тогда он знал, что создание одежды – и есть его главное предназначение, но шить он решил не те вещи, которые вполне могут существовать и без своего обладателя, а именно те, которые становятся неотъемлемой частью глобального стилистического видения, пришедшего либо из романтизма, либо из кинематографа. «Тогда я даже не знал, кто есть дизайнер моды», - вспоминает Лорен. - «Но были люди, которые завораживали меня своей элегантностью и харизмой. Я захотел войти в их вселенную и стать похожим на них». У него не было диплома дизайнера, но гораздо более ценными в тот период оказались люди и образы, которые помогли Лорену создать основу собственного непревзойденного стиля – поло и вестерны, Джо Ди Маджо (Joe di Maggio) и Кэри Грант (Cary Grant), Фред Астэр (Fred Astaire) и Одри Хэпберн (Audrey Hepburn), и конечно же, неизменный фитцжералдьдовский «Великий Гэтсби».
Дальше все пошло само собой. Лорен сказал: «Я покажу вам лучшие моменты прошлого» и отправил дефилировать по подиуму самые яркие образы американской истории – вновь позолоченной, благословенной, бурлящей, заставляющей мечтать. Именно это и сделало Лорена самым любимым и могущественным дизайнером в истории американской моды. Жена Лорена Рики (Ricky), с которой он сочетался браком в 1964 году, становится его главной музой, первой «Ralph Lauren woman», вдохновляющей дизайнера на протяжении целых двадцати лет.
«Вневременное, но новое» - главное стилистическое кредо Ральфа Лорена. Его уже давно усвоил 34-летний Дэвид Лорен, единственный из трех сыновей великого модельера, который присоединился к его профессиональному клану в 2001 году. Отец считает его «чудесным сыном» и полностью доверяет, поэтому сегодня Лорен-младший занимается маркетингом, связями с общественностью и рекламой и, разумеется, полностью разделяет «глобальное видение работы» отца. Как и Ральф Лорен, Дэвид никогда не учился на дизайнера и никогда не пытался быть модным. Оба представителя клана вообще ненавидят слово «мода». «Мне жутко не нравится ни само слово, ни та кучка пустых людей, которые скрываются за этим понятием. Мне вообще все равно, нравится ли тому или иному журналисту вот эта блузка или вон та юбка. Для меня важна лишь связь между силуэтом и историей, которую я хочу рассказать», - признается Лорен.
Fashion-бизнес на самом деле стал для дизайнера тяжкой ношей, но без нее он просто не смог бы делать то, что хочет. Причем бизнес у Лорена процветает и является эталоном для многих других. Более 70% всего товарооборота Дом Ralph Lauren реализует в Америке, постоянно предлагая своим клиентам новые вещи – коллекции одежды, включающие в себя более 10 марок от «Polo» до «Purple Label», линии товаров для дома и парфюмерию. Остается завоевать пока еще не освоенные страны, в первую очередь Азию, чье богатейшее культурно-историческое наследие вдохновляет сегодня Лорена больше всего. «По натуре я совсем не путешественник», - признается Ральф Лорен. «Динамику я нахожу в собственных фантазиях, в тех местах, где я обычно нахожусь. В своих вещах я отражаю все лучшее, что, на мой взгляд, должно быть в тех странах, куда я потом привезу свои коллекции».
Миучча Прада: «Первая леди» итальянской моды
http://journal.vzglyad.ru/upimg/6592.jpg
Любая итальянская модница знает абсолютно точно, что в этом сезоне ей не обойтись без туфель на устойчивом каблуке из бамбука, плотных колготок кремового цвета и строго пальто с легким серебристым отливом. Ведь эти вещи были ключевыми в коллекции Миуччи Прада (Miuccia Prada) – самой уважаемой и авторитетной синьоры итальянской моды. В жизни она успевает все: создает роскошные коллекции одежды, воспитывает двух сыновей-подростков и, как поговаривают, собирается в политику. При этом, на вопрос о секретах ее успеха, она отвечает, что «просто живет». Ходя один небольшой секрет, касающихся ближайших планов дизайнера, стал известен: Миучча Прада станет следующей, кто после Карла Лагерфельда (Karl Lagerfeld) и Стеллы МакКартни (Stella MacCartney) создаст коллекцию для европейского ритейлера H&M. Однако, в отличие о своих предшественников, Миучча избрала для работы с H&M несколько иной путь. Об этом она рассказала в небольшом интервью британскому изданию журнала Vogue (кстати, само по себе интервью – большая редкость, поскольку дизайнер просто «ненавидит общаться с журналистами»).
Vogue: Правда ли, что Вы планируете создать коллекцию для H&M, как это сделали до вас Лагерфельд и МакКартни?
Miuccia Prada: Да, теперь я уже могу заявить об этом, поскольку между нами уже прошли переговоры. Я думаю, что сама по себе концепция подобного сотрудничества весьма интересна, я с удовольствие поработаю над целой коллекцией для этой сети, используя недорогие материалы. Но я не собираюсь копировать свою основную коллекцию, как это делалось до меня. То, что я создам, будет абсолютной инновацией.
Vogue: Почему после окончания дефиле вы лишь на секунду показываетесь из-за кулис, в то время как все остальные дизайнеры обязательно проходят по всему подиуму, чтобы насладиться заслуженными овациями?
Miuccia Prada: Так сложилось, что я стараюсь отказываться от любых клише, связанных с моей работой. Ну и к тому же я не хочу выглядеть глупо: ковылять по подиуму после всех моих роскошных манекенщиц – не самая удачная идея.
Vogue: На что Вы прежде всего обращаете внимание при выборе модели?
Miuccia Prada: Вообще-то кастингом моделей я практически не занимаюсь, мне не нравится этот процесс. Я просто прихожу в ужас от одной мысли о том, что мне придется судить человека, это было бы для меня тягостным. Но когда они входят в комнату, я мгновенно решаю, подходят они для моего предстоящего шоу или нет: прежде всего, меня должна поразить личность девушки. Я ищу тех женщин, которые смогли бы передать мои идеи лучше, чем другие.
Vogue: Является ли мода искусством?
Miuccia Prada: Она может быть таковой, если за дело берется настоящий художник, создающий произведение искусства. Работа дизайнера – несколько иная. Разумеется, элементы искусства в моде просто обязаны присутствовать, но сам процесс совсем другой.
Vogue: Почему в моде так важны аксессуары?
Miuccia Prada: Я сама как дизайнер родилась, создавая именно аксессуары, и все вокруг говорили, что у меня никогда ничего не выйдет с одеждой, поскольку я начала с аксессуаров. Теперь же все наоборот: дизайнер не может быть успешным, если в дополнение к своим основным коллекциям не создает хотя бы обувь и сумки. Я полагаю, что составление гардероба – весьма сложный и многогранный процесс, если вы на самом деле интересуетесь модой и хотите выразить себя через нее. Сумка или пара туфель – оптимальный способ стилистической идентификации, позволяющий не задумываться над остальным нарядом.
Vogue: Если ли дизайнеры, которыми Вы восхищаетесь?
Miuccia Prada: Я затрудняюсь ответить на этот вопрос. И заметьте, когда моих «коллег по цеху» спрашивают о том же самом, они называют имена либо тех дизайнеров, кто уже покинул этот мир, либо тех, кто за свою карьеру не заработал ни цента.
Vogue: Носите ли Вы одежду других дизайнеров?
Miuccia Prada: Да. Но если они либо мертвые, либо бедные.
У самого синего моря… История Антонио Марраса
http://fashiontime.ru/images/news/1/2570/2881_3597.jpg
Италия подарила миру множество знаменитых дизайнеров. Страстность, тонкое понимание красоты, умение работать с тканью и тепло южного солнца, заключённое в каждом наряде, остаются ценностями непреходящими. Творения итальянского дизайнера Антонио Марраса (Antonio Marras) ещё раз подтверждают, что это действительно так.
Антонио Маррас родился и вырос на небольшом итальянском острове Сардиния. Там, в небольшом городе Альегро, у его родителей был небольшой магазин тканей. Именно с этого началось увлечение Антонио модой. Тогда, когда все мальчишки играли в войну, будущий дизайнер осваивал швейную машинку. Его первыми опытами в области дизайна, были коллажи из лоскутков. Умение сочетать самые разные ткани пригодилось ему в дальнейшем. Оно заметно и сейчас: в каждой коллекции, созданной Маррасом, идёт тонкая игра тканей и фактур, из которой и складывается неповторимый стиль модельера.
Его призвание «нашло» мастера отнюдь не сразу. В юности Маррас собирался продолжить семейную традицию и стать однажды полноправным владельцем магазинчика. Он даже окончил бухгалтерские курсы, чтобы вести счета. Но судьбе было угодно, чтобы его дальнейшая жизнь сложилась совсем иначе…
Поворотным моментом в судьбе Антонио стала стажировка в одном из итальянских домов моды. Сначала он был просто «мальчиком на побегушках», но уже в 1988 году он получил заказ на первую коллекцию, которая была названа Piano Piano Dolce Carlotta – по фильму Роберта Олдриджа. Всякое творение Марраса становится не «просто одеждой», а рассказом, историей. Не зря каждую его коллекцию предваряет вступление, в котором повествуется о том, что служило источником вдохновения. Так, например, «Английский сад в Индии», осень-зима 2005/06, была создана под впечатлением от письма, написанного женщиной любимому мужчине...
Дальнейшая карьера Антонио была стремительной. В 1996 году была презентована его первая коллекция haute couture. Пик пришёлся на 2003 год, когда дизайнера пригласили работать для дома моды Kenzo. Звонок Кончетты Лансьё стал для него полной неожиданностью.
«Я был тогда в деревне, - рассказывает дизайнер. – Вы понимаете, там очень, очень плохая сотовая связь. И вот выхожу я как-то на крыльцо дома, а у меня начинает звонить мобильный телефон. Я поднимаю трубку, и Кончетта Лансьё мне говорит: «Мы хотим, чтобы вы работали в Kenzo. И тут звонок обрывается...»
Дизайнер не скрывал, что поменять всю жизнь, поехать в Париж и стать частью LVMH, для него было не самым простым решением. Но Антонио его принял. Когда он выпустил свою первую коллекцию для Kenzo, восторженные критики во все голоса начали говорить, что Дом наконец-то получил достойного продолжателя стиля великого Takada Kenzo. И это правда. Ибо в умении работать с тканью, делать одежду строгих и чистых линий и создавать безумный сплав из этнических мотивов и городского дресс-кода, которое было «фирменным знаком» Мастера, Антонио Маррасу не отказать.
Кроме тех коллекций, которые он создаёт для Kenzo, Антонио с 1999 выпускает одежду собственной марки. И если его творения для Дома посвящены путешествиям в общем и целом, то лейтмотивом нарядов, выпускаемых под маркой Antonio Marras, является море. Оно дарит дизайнеру вдохновение столь же неисчерпаемое, как мировой океан. Антонио и его жена Патриция, которая, кстати, является директором его модного дома, живут и работают на берегу тёплого Средиземного моря, в огромном доме-мастерской. И морские мотивы явно просматриваются в тканях грубой обработки, пятнах соли и слоях силикона, которые Антонио часто использует при создании своих коллекций.
Мода для дизайнера – это возможность «сплавить» все искусства в одно. В его творениях есть и литература, и кино, и театр, и архитектура, и живопись. Кстати, не так давно в петровском Пассаже Москвы был открыт монобутик Antonio Marras, дизайн интерьера для которого создал сам Антонио.
Одна из коллекций Марраса была посвящена Петербургу. Холодный город на берегах Невы, в котором живут, по признанию самого дизайнера, самые красивые женщины в мире, послужил источником вдохновения. И это неудивительно. Строгая готическая прелесть Северной Венеции очень близка по духу эстету Маррасу.
Ему удаётся всё, за что бы он ни взялся. С равной лёгкостью он воплощает образ английской леди, живущей в далёкой жаркой Индии – и холодной морской девы, которая словно поднялась со своего постамента в Петербурге для того, чтобы выйти на подиум и покорить восторженных почитателей итальянского модельера.
Поэзия обуви. Интервью с Карин Арабян
http://fashiontime.ru/images/news/1/2555/8373_9163.jpg
Для французского дизайнера Карин Арабян всегда были ценны три вещи: чувственность, женственность и независимость. И каждое её творение – гимн этим вечным женским ценностям. Карин – потомственный дизайнер. Её дед создавал обувь, а отец шил костюмы на заказ. Она училась в школе Esmod и в Studio Bercot, а потом работала в Swarovski и Chanel. Четырнадцатого и пятнадцатого ноября госпожа Арабян представила свою коллекцию весна-лето 2006 в рамках сессии Fashion French Touch, прошедшей на днях в Музее А.С.Пушкина . Об этой коллекции, традициях, сюрреализме и моде дизайнер рассказала FashionTime в эксклюзивном интервью.
FashionTime: Несколько поколений вашей семьи занимались модой. Ваш выбор пути в большей степени обусловлен семейной традицией или Вы самостоятельно выбрали это призвание?
Карин Арабян: И то, и другое - в равной степени. Конечно, семейная традиция – это важно, но дело не только в ней. Мой брат, например, занимается совсем другим - финансами. Я всегда спорила с родителями, но в итоге пошла по их пути. И это естественно – ведь когда ты родился в традициях моды и красоты, то хочется продолжать это. И я продолжаю. Но по-своему, в моём собственном стиле.
FT: Наверное, Вас очень часто спрашивают об этом… Не могли бы вы рассказать об основных моментах своего творческого пути? Что оставило наибольший отпечаток? Как сформировался Ваш стиль?
К.А.: Как раз об этом меня спрашивают достаточно редко. Самый первый важный момент… Это было много лет назад, тогда, когда я решила сделать свою самую первую коллекцию. Свою собственную – ведь работать на кого-то проще. Важна была работа у Swarovski и Chanel. Это меня очень многому научило. Ещё один ключевой момент был пять лет назад, когда я объединилась со своим двоюродным братом, чтобы организовать свой Дом Моды и заняться производством.
FT: Расскажите, пожалуйста, о той коллекции, которая здесь представлена. Она очень интересна - в ней есть что-то литературное…
К.А: Литература – это моя страсть. Я могу читать две-три книги одновременно. Ещё очень большое влияние оказывает кино. В нём куда более яркие и говорящие образы. Вы правы, в моих коллекциях зачастую присутствует влияние литературы, но именно в этой никакие конкретные образы не были использованы. Мне просто хотелось романтики. Тут было чёткое стремление к поэзии. На меня во многом влияет сюрреализм. В этом течении есть всё – живопись, литература, поэзия. Это течение, которое позволяет проникнуть в глубины подсознания. Оно уносит куда-то далеко… Я смотрю самые разные фильмы, но в моём творчестве нет прямых ссылок на что-то конкретное. Всё, что я читаю, всё, что я вижу, проходит через призму моего восприятия, смешивается, происходят какие-то подсознательные процессы. Я создаю. Я не хочу знать, какова прямая связь с событием или произведением. Очень важно уметь забывать увиденное, чтобы не копировать. Мне не нравится стиль работы, когда ты идёшь в музей, смотришь и воспроизводишь в точности. Стоит повторять ситуацию, атмосферу, ощущение, свет, а не чужой образ.
FT: Существует ли образ идеальной женщины, для которой Вы творите?
К.А.: Нет, не существует. Конечно, дизайнеры хотели бы работать для легендарных красавиц. Если бы Мерилин Монро была жива, я бы хотела, чтобы она носила мою одежду. Но всё же цель заключается не в том, чтобы создавать что-то для идеала. Для меня не существует канонов красоты и строгости. Каждая женщина по-своему прекрасна.
FT: Существует стереотип, что лучшую обувь для женщин создают мужчины…
К.А.: Я не согласна с этим стереотипом. Кому, как не женщине, знать, что ей нужно? Кто может чувствовать и понимать её лучше, чем другая женщина? Я сама ношу свою обувь и делаю ее из расчёта на то, что удобно мне. Но вы правы, обувная мода - это очень мужская сфера, и женщине в ней иногда бывает сложно, но я борюсь против стереотипов. Что касается фабрик-производителей - это тоже мужская сфера. Приходится сражаться и там. Но я себя позиционирую как женщина, которая любит обувь, которая старается сделать свою обувь удобной, не забывая и об элегантности.
FT: Каблуки у туфель вашей новой коллекции действительно удобны и устойчивы… и это не шпилька.
К.А: Да, это так. Шпилька никогда не привлекала меня
FT: Шпилька и правда похожа на орудие пытки, придуманное испанскими инквизиторами для издевательств над несчастными женщинами…
К.А.(смеётся): Я не знаю, но это возможно. Я сломала много шпилек, когда я их носила. Ещё до того, как я занялась производством обуви, я сломала столько подобных каблуков, что сказала себе: «Когда я стану заниматься производством обуви, я ни за что не буду их использовать». По-моему, вполне можно быть элегантной и без шпилек.
FT: Вы уже достаточно давно в мире обуви, а линия одежды – нововведение. Как пришла идея заняться ещё и этим?
К.А.: Мне захотелось одеть женщину полностью и не ограничиваться лишь обувью. Это позволяет мне рассказать историю жизни, создать стиль. Целостный образ позволяет дизайнеру выразиться более полно. Для меня это очень важно - ведь рассказать о женщине лишь с помощью обуви очень сложно. Мне нравится создавать одежду, и в этом мне помогает вся моя семья.
FT: И напоследок – излюбленный вопрос журналистов иностранным гостям. Как вам наша страна и наш город?
К.А.: Мне бы хотелось больше путешествовать по России… А в Москве есть какое-то безумие. Здесь что-то ощущается, но я не могу понять, что. Для этого здесь нужно жить дольше. Очень будоражащий город – здесь постоянно что-то происходит. И в то же время это очень закрытый город. И туристам очень сложно открыть Москву для себя за краткий срок пребывания. Я ищу для себя какие-то свои места, не обязательно самые модные и пафосные… Это непросто. Я поняла, что Москва – это город, который открывается лишь тем, кто прилагает значительные усилия.
Ив Сен Лоран: из подмастерья в Мастера
http://fashiontime.ru/images/news/1/2542/7829_9997.jpg
В жизни Лорана были сверхуспех, как у дизайнера, невероятный карьерный взлет от помощника легендарного Диора до главы собственной империи. А как у человека у него бывали затяжные депрессии, проблемы с алкоголем и наркотиками и одиночество в старости.
Но если человеческая сторона рано или поздно забудется, то историю марки мир моды запомнит навсегда. Самые красноречивые вещи на свете – факты, самое объективное мнение о человеке можно составить по его словам.
Yves Saint Laurent в фактах и цитатах…
Фразы модельера точны и лаконичны. Их цитировали, цитируют и будут цитировать неоднократно. "В этой жизни я жалею только об одном — что джинсы придумал не я". "Даже самому изысканному наряду необходима хотя бы капелька духов. Только они придадут ему законченность и совершенство, а вам добавят шарма и обаяния". "Самый прекрасный макияж для Женщины — это страсть". "Лучшая одежда для женщины - это руки любящего ее мужчины. Но для тех, кто лишен этого счастья, - для тех пришел я". "Как выглядит идеально одетая женщина? Очень просто: черный пуловер, черная юбка, хорошие туфли, неброское колье на шее. И любимый мужчина в руках".
Факты из жизни знаменитого Кутюрье незаурядны весьма. Место рождения: Алжир. Места обитания: вилла в Марракеше, замок в Нормандии, квартира в Париже. Возраст, когда Лоран возглавил дом Christian Dior: двадцать один (!) год. Любимая музыка: Вагнер, Верди, Беллини. Любимый писатель: Марсель Пруст.
Лоран одевал Катрин Денев в фильме Луиса Бонюэля и был награжден премией "Оскар". Год выпуска первых духов: 1964-й - женские духи с лаконичным названием "Y". Год выпуска аромата "Опиум" - 1977 год. Мы не зря упоминаем про духи. Скандалы сопровождали карьеру модельера. Конечно, некоторые были старательно спланированы заранее. Для рекламы своих духов Ив Сен Лоран снялся раздетым. Из одежды были только очки. Поднялся скандал, продукт смели мгновенно.
Духи "Опиум" в следующую рекламную кампанию представляла Софии Даль, расположившись на постерах в сомнительной позе. Огромное количество жалоб на аморальность модельера стало реакцией общества.
Но самое серьезное испытание выпало на долю рекламной кампании мужского "Опиума". В плакате с изображением духов и логотипа компании фоном служила фотография обнаженного мужского тела. Для Америки был даже сделан другой вариант макета – поскромнее. А Европу уже ничем не удивишь.
Каждая новая коллекция дизайнера сама по себе служила поводом для скандала. Он никогда не шел на поводу общих тенденций, дерзко демонстрируя свой взгляд на вещи. Силуэт ли трапеция, дерзкий ли уличный стиль или восточный колорит – все предлагаемое Лораном и шедшее вразрез с мнением большинства вызывало шум.
Единственная грустная нота в истории модельера – это его прощание с миром моды. Не так давно он закрыл свое парижское ателье на Avenue Marceau и отошел от дел, посетовав, что в моде не осталось очарования и женственности. А есть только коммерческая гонка. Марку Yves Saint Laurent, не долго думая, перекупил Gucci. Но истинные поклонники понимают: времена настоящего Ив Сен Лорана прошли. Слабая тень истинного шика, может, и промелькнет, но Настоящее не даст о себе забыть, вызывая в памяти легкий росчерк четких силуэтов и изумительные цвета.
_A_R_M_E_N_
06 Mar 07, 13:03
Джорджио Армани,Миучча Прада :respect:
Christian Dior
http://www.paneuro.ru/pics/pic_200575_20mn27s40mls167.jpg
Christian Dior родился 21 января 1905 года на вилле Les Rumbs в Гранвиле на берегу Ла-Манша вторым из пяти детей. С самого детства Кристиан хорошо рисовал. Отец хотел, чтобы сын стал политиком. Поэтому Кристиан Диор пять лет учился в Школе политических наук, но провалился на последнем экзамене. Отец уступил и предоставил сыну небольшую галерею.
В семье начались финансовые трудности, и юный Диор оказался в Париже без денег. Прошло несколько голодных лет, затем он получил место ассистента в Доме Pigeut, после войны - у Lucien Lelong. Когда Диору исполнилось 40, он встретил текстильного магната Марселя Бруссака, который предложил ему основать собственный Дом моды.
Первый показ Christian Dior состоялся 12 февраля 1947 года в особняке на авеню Монтень. Вышла первая манекенщица - затянутая талия, длинная юбка в форме колокола, на глаза надвинута шляпа. На несколько секунд в зале воцарилось молчание, затем обрушился гром апплодистентов. Такая роскошь после всех лишений военного времени! На следующий день газеты кричали, что это антисоциально, говорили о заговоре с текстильщиками (на платья требовалось много ткани). Однако в ателье выстроилась огромная очередь.
Американская пресса заявила, что это new look - новый взгляд на одежду. New look - это узкие плечи, перетянутая талия, подчеркнутая грудь и длинная широкая юбка - это тонкая грань новаторства и консерватизма. Стиль Кристиана Диора - это классическая элегантность и подчеркнутая женственность.
За 10 лет дизайнерской карьеры Диор создал 22 коллекции. Все они были творчески и коммерчески успешными. Дизайнер называл их по доминирующей линии силуэта: Зигзаг, A-линия, Y-линия, Вертикаль. И каждый сезон он предлагал что-то новое.
Кристиан Диор первым в мире моды начал бороться с пиратством, ввел понятия "зарегистрированный товарный знак", "имидж компании". В 1948 году он решил организовать лицензирование производства духов и одежды в различных регионах. Таким образом, он распространил марку на 15 стран.
К середине 50-х гг. Диор возглавляет настоящую империю, ставшую лидером в мире роскоши.
В его платьях играли великие актрисы Марлен Дитрих , Ава Гарднер и Оливия де Хевиленд.
В 1950 г. Кристиан Диор получает орден Почетного Легиона.
Кристиан Диор открыл талант молодых Ива Сен-Лорана, Пьера Кардена, Жан-Луи Шерера и в своем Доме моды научил их профессии кутюрье.
Кристиан Диор умер 24 октября 1957 года от сердечного приступа.
Его преемниками в Доме Dior были: Ив Сен-Лоран, Марк Боан, Джанфранко Ферре, Джон Гальяно. И сегодня Дом процветает.
Tom Ford
http://glamurnenko.ru/images/fashion/tom_1_big.jpg
Том Форд родился в Техасе в 1962 году. Но большую часть детства он провел в Санта Фе, Нью-Мексико.
В юности Форд переехал в Нью-Йорк: изучал историю искусств в Университете Нью-Йорка и подрабатывал моделью - снимался в рекламных роликах. Вскоре он бросил Университет и изучал дизайн пространственной среды в школе дизайна Парсонса в Нью-Йорке. Затем уехал продолжать учебу в Париж.
В 1986 году он поступил работать в креативный отдел известного американского дизайнера Кэти Хардвик.
В 1988 году он перешел на работу к Перри Эллис (Perry Ellis), где становится художественным директором. Через 2 года в 1990 году Том Форд уехал в Милан и стал дизайнером женской линии одежды в Gucci. Его талант и видение модных тенеденций помогли Форду занять место креативного директора Gucci. Том Форд отвечал за концепцию и дизайн всех линий Gucci: одежды, парфюмерии и т.д. Форд создавал имидж Gucci, дизайн бутиков и руководил рекламными кампаниями.
Том Форд создал сексуальный образ моды 1990-х. В 1997 году, когда Тому было 35 лет, журнал People назвал его одним из 50 самых красивых людей мира.
Том Форд обладает не только колоссальным творческим потенциалом, но и огромным стремлением к успеху и деловой хваткой. За десять лет Том Форд сделал рядовой бренд Gucci концерном с состоянием в 3 миллиарда долларов.
В 2000 году марка Yves Saint Laurent вошла в состав Gucci Group. Том Форд стал креативным директором и в Yves Saint Laurent.
В 2001 году Форд стал лучшим дизайнером женской одежды (премия CFDA). Журнал Time назвал его лучшим американским дизайнером.
В апреле 2004 года после четырнадцати лет сотрудничества Том Форд расстался с Gucci Group.
После ухода из Gucci Том Форд начинает работу над книгой "Том Форд: десять лет". Она вышла осенью 2004 года.
Том Форд говорит, что прическа и макияж не меньше, чем одежда определяют имидж человека. И в апреле 2005 года Форд заключил контракт с Est
Коко Шанель: Великая Королева Моды
Габриэль Шанель, основательница самого известного и шикарного модного дома, умерла тихой смертью 10 января 1971 года в возрасте 88 лет в номере-люкс отеля «Ритц» в Париже.
Да 40_лет назад умерла она...
Coco Chanel...;)
picture taken in 1958 showing French fashion designer Coco Chanel (L) strolling down the Veneto street in Rome, in company of French author Jean Cocteau (C) and young friend Miss Weiseveiller (R).
Powered by vBulletin® Version 4.2.2 Copyright © 2025 vBulletin Solutions, Inc. All rights reserved.